Il était une fois un animal quadrupède qui pour être parvenu à se mettre debout sur ses pattes arrière a commencé à voir les choses de haut et à se sentir bien seul. Il semblerait que voir les choses de haut lui ait permis de s’assurer une très nombreuse descendance (en parvenant entre autres à se soustraire à ses nombreux prédateurs, depuis le lion laineux jusqu’au bacille de Koch) ; si bien qu’à quelques centaines de milliers d’années du début de cette histoire, voici notre bipède pensant autorépliqué à 7 milliards d’exemplaires.

Mais de s’être ainsi arraché au troupeau primitif l’a laissé dans une telle détresse qu’il ne cherche plus depuis qu’à revenir en arrière afin de retrouver le jardin clos de ses débuts, celui où il pouvait se faire croquer gentiment et répandre son sang rouge sous des grands arbres verts, sur un parterre de fleurs ou un tapis de mousse.

Malheureusement, le parcours qui l’a conduit sur ses deux pieds jusqu’à aujourd’hui a été si long et chaotique qu’il a bien du mal à le reconstituer ; il n’a pas pris suffisamment de notes, il lui est très difficile de le retrouver.

Il y a très longtemps, quand tous les animaux parlaient encore, notre bipède n’osait pas trop s’exprimer. Il avançait en rasant non les murs, parce qu’il n’y en avait pas, mais les rochers. Il ne pipait mot et se retournait souvent pour vérifier que son ombre le suivait.

Un jour il a fabriqué une sagaie en plantant un gros caillou à la pointe d’un bâton ; il s’est senti plus fort et il a tué son premier renne. Aussitôt, il s’en est repenti et il a peint de magnifiques portraits d’animaux sur les parois de la grotte Chauvet.

Depuis, ces animaux peints n’ont cessé de lui monter à la tête, c’est à se demander s’il n’aurait pas mieux fait de continuer à marcher sur ses quatre pattes. Car à peine dessinés, voici que tous ces animaux se sont précipités hors de la grotte, puis se sont envolés et transformés en milliers d’étoiles. Ils ont rempli le ciel de constellations. L’ours est devenu ourse (grande et petite), l’auroch s’est transformé en taureau, le lion laineux a perdu ses longs poils, la chouette gravée s’est faite cygne ou aigle, le phoque de Cosquer est devenu un petit dauphin, bref le bipède ne contrôlant plus rien a commencé sérieusement à prendre peur. Il a perdu confiance en lui, et s’est mis à croire en Dieu. Au début, Dieu était assez compatissant, et à chaque fois qu’il s’adressait au bipède il prenait soin de se faire une tête d’animal et un corps de bipède pour le rassurer, pour lui faire croire qu’il n’avait pas vraiment quitté le troupeau, qu’il pourrait toujours y revenir.

Mais un jour il en a eu marre, parce que le bipède, voyant plus que jamais les choses de haut, continuait de n’en faire qu’à sa tête et de se reproduire à tour de bras. Dieu lui a dit : « Je t’ai fait à mon image et tu ne ressembles plus qu’à toi.» Comme ce bipède mangeait beaucoup, et qu’il y avait de plus en plus de bouches à nourrir, la chasse ne lui a plus suffi, et il s’est mis à élever lui-même sa nourriture pour que ça aille plus vite, et puis carrément un jour à la fabriquer dans des usines.

Dans le même temps, les gros prédateurs ayant été éliminés parce que plus faciles à repérer, il ne restait plus que les petits, et même les tout petits petits, ceux qu’un piège à rats ou un papier tue-mouches ne risquait pas d’attraper. Ces tout petits petits sont devenus très malins et ils ont commencé à rentrer dans le corps des bipèdes sans que ceux-ci ne s’en aperçoivent. Alors pour arriver à trouver la parade, il a fallu des chercheurs et des laboratoires, planter à tour de bras des aiguilles et des électrodes dans la tête de milliers de chats, de lapins et de souris pour comprendre comment ça se passait.

Désormais, tous ces milliers d’animaux qui n’ont même pas demandé à naître sont sacrifiés quotidiennement à l’abri des regards, tandis qu’une poignée de bipèdes s’agitent pour faire interdire la corrida.

Je crois que Istres est une place taurine, mais si vous êtes bipède, courrez-y, non pour brandir des panneaux barbouillés de peinture rouge, mais pour y voir le chat prophétique de Daniel Zanca, les grenouilles épinglées d’Anthony Duchêne, le chien-renard de Thomas Grünfeld, les chimères de Lionel Sabatté, le cerf de Gloria Friedman, le volatile encabané d’Antonio Gagliardi.

Et si vous continuez à péter de trouille, cher bipède pensant, placez-vous à côté du grand doberman de Daniel Otero Torres et ne bougez plus.

Jean-Jacques Salgon, avril 2013.

Photographies par Aldo Paredes

Animal Paradise
Du 29 avril au 12 octobre 2013
Centre d’art contemporain intercommunal
2, rue Aphonse Daudet, 13800, Istres

C’est toujours agréable d’aller à un vernissage chez Datta, de mémoire je n’y ai passé que de bonnes soirées. Pour celle de vendredi dernier j’étais donc plutôt enjoué à l’idée de me rendre à la première étape de l’expédition lyonnaise de Snatch. Beaucoup de monde évidemment, pas mal de bonnets colorés, de cols fermés, un manteau en poil blanc, de la Grolsh et quelques photographies. Comme Datta est aussi une librairie très branchée, quand tu ne regardes pas les oeuvres dans l’espace galerie tu peux toujours jeter un oeil aux très originaux livres proposés par Julien.

Si vous voulez aller voir de vous-même les photographies, notamment celles de Vincent Desailly mettant en scène (le presque lyonnais) Oxmo Puccino ou encore Rim’K du 113 dans des costumes et décors du XVII° siècle, l’exposition cours jusqu’à dimanche seulement.

Datta
10, rue du griffon
69001 Lyon

http://www.datta.fr/

Texte et photographies par Jules Roeser

Odö est un artiste soigné. Clairement marqué au fer par la pop culture venue de l’autre côté de l’Atlantique, le Bayonnais présente une série d’oeuvres originales extrêmement fines dans leur exécution ainsi que plusieurs sérigraphies à emporter chez soi pour une somme raisonnable. Travaillant au stylo, au lavis et à l’aquarelle, il vous faudra vraiement coller le nez sur ses dessins avant de voir les coulisses de l’oeuvre. Le garçon est très, très précis et appliqué dans le geste.

Passant en revue des icônes de jeunesse (parfois tardive) allant de Mickey à Bender de Futurama, il a également fourni un travail nouveau sur les fibres qui investissent dorénavant ses dessins. Une exposition intense donc, où les illustrations proposées risquent fort de vous sauter au visage.

Odö - Cross My Heart and Hope to Die
jusqu’au 11 mai 2013

Spacejunk Art Center
10, rue des Capuçins
69001 Lyon

http://www.spacejunk.tv/v4/

Texte et photographies par Jules Roeser

Avant de porter un oeil à l’exposition qui ici nous intéresse, je vous invite à le jeter dans le rétroviseur, votre oeil. Back to the 70’s, from the XVIII°s. Allez, LMC enfile sa veste jaune moutarde à ronds de cuir, son velours côtelé et ses mocassins à glands pour se muer en prof d’histoire de l’art (désolé pour cette caricature entre mes souvenirs, les clichés les plus répandus sur les profs et la rubrique « où est le cool ? » des inrocks).

Chapitre 1 : Le Romantisme.

Le Romantisme est avant tout un mouvement global, il touche tous les genres d’expression artistique (littérature, poésie, musique, peinture) et concerne les grand pays d’Europe de l’époque (Allemagne, Angleterre, France, Italie, etc.). Je ne vous fais pas le laïus sur le mythe de l’artiste maudit ni sur les chefs-d’oeuvres de Victor Hugo, Chateaubriand, Goethe, ou Baudelaire, mais il paraît que c’est pas mal comme boulot et que ça vaut le détour. Concentrons nous sur ce qui nous intéresse ici : la peinture.

Comme ses comparses des autres horizons culturels, la peinture romantique se dessine un destin aux alentours de 1770. Principalement inspiré par les écrivains et les poètes, les peintres vont au travers de leurs huiles s’attacher à décortiquer leur «moi», à explorer des thèmes comme l’Orient, la tempête, bref à mettre en image des émotions, leurs émotions. Le Romantisme se construit aussi en réaction (ou en parallèle) au néoclassicisme. Directement hérité de la fascination pour les voyages en terre antique comme Pompéï, le néoclassicisme s’encre dans un imaginaire directement lié aux mythes greco-romains. Un peintre comme Jean Auguste Dominique Ingres (élève de David, maître du néoclassicisme et peintre officiel de Napoléon) marquera en France une sorte de transition entre ces deux mouvements contemporains.

William Turner / Pluie, Vapeur et Vitesse : la grande voie ferrée de l’Ouest / 1844

Pour en revenir au Romantisme, il se développera essentiellement chez nous à partir des années 1820 au travers de peintres comme Eugène Delacroix ou Théodore Géricault. Bien entendu nos amis d’outre Rhin et d’outre Manche ne sont pas totalement en reste. Caspar David Freidrich ou (mon préféré) Wiliam Turner représentant pour leurs Crews. Si les Français régalent avec des chefs-d’oeuvres comme «La Mort de Sardanapale» (Delacroix, 1827) ou l’immense «Radeau de la Méduse» (Géricault, 1819), mettant en scène des personnages aux corps exacerbés et tortueux, à l’étranger on est plus porté sur le paysage. Lorsque Freidrich impose son style genre de dos face aux éléments, Turner ambiance les salons avec des vues brumeuses, dorées par un soleil perçant les nuages. Les thèmes peints n’ont donc plus rien à voir avec ceux de l’école classique. On oublie la religion et l’antiquité. On s’occupe de soi, des autres, de la politique, de l’exotisme, de l’Homme.

Théodore Gericault / Le Radeau de La Méduse / 1819

En somme, pas évident de résumer un siècle de création trans-genre en trois paragraphes mais vous l’aurez compris, le Romantisme en peinture c’est du figuratif (oui je sais l’abstraction arrive seulement 100 ans plus tard), de l’émotion, des ombres, des cols relevés, la mèche au vent et surtout de la matière. Les toiles vibrent, tournent, expriment. Les maîtres se mettent à nu, se dévoilent, s’explorent. Si le mythe du romantique (incompris dans sa mansarde) est né avec ce mouvement c’est qu’il est question de passion, d’intime. L’artiste aspire à un idéal intérieur, comme s’il recherchait la paix du dedans en montrant sur sa toile le chaos qui l’occulte. Fait de passion, le Romantisme est un mouvement honnête ou l’artiste laisse l’émotion primer sur la technique et le savoir-faire, pourtant bien souvent présents.

Evidemment si ce mouvement pictural majeur vous intéresse davantage, notre ami commun google (ou la bibliothèque la plus proche) vous apprendra tout ce que vous aurez la patience de lire.

Retour jeudi dernier. Nous sommes chez Spacejunk, il est 19h30. Quatre artistes s’attaquent donc à ce que les commissaires de l’expo nous présentent comme le nouveau romantisme. Il est vrai qu’il s’agit ici d’émotion. Les toiles présentées nous transportent en un certain sens, l’imaginaire décolle. On se trouve confronté à des oeuvres à la technique passée, augmentées d’éléments contemporains.

L’artiste qui se rapproche le plus du romantisme est sans doute Martin Wittfooth. Ses oeuvres semblent carrément avoir 150 ans même si il est évident que le lance-flamme opère une recontextualisation historique à côté de laquelle personne ne sera passée. Il y a bien du Turner chez lui, du Géricault aussi. Mais ils sont présents essentiellement dans le décor, le second plan. Les sujets ne concernent pas l’homme mais l’animal, ce qui est à l’opposé des questions romantiques.

Concernant les trois autres peintres j’ai eu plus de mal à trouver des corrélations entre le romantisme et leur (très bon) travail. L’italien Nicola Vertlato descendrait plutôt du Maniérisme de Michel-Ange. Il y a du biblique dans son oeuvre. La lumière se chargeant de magnifier les muscles des corps qui flottent dans l’espace du cadre. Le Romantisme apparaît à quelques occasions dans des décors, dans les nuages. Mais les poses, l’éclairage théâtral ainsi que les compositions de ses toiles l’en écartent. Cependant, ses oeuvres restent une excellente transposition temporelle de la peinture maniériste. Le travail de Billy Norrby touche au Romantisme par le biais du poétique. Effets de lumière  et artifices colorés l’inscrive dans notre période contemporaine. Son oeuvre semble assez éclectique mais il garde la qualité comme constante.

Je termine avec la french touch de l’exposition : Jérôme Romain. Sans que ça n’affecte en quoique ce soit la pertinence de ses toiles, le seul français de la bande est clairement celui qui a le moins de points communs avec ses illustres ancêtres romantiques. Doué des pinceaux, il travaille l’hyperréalisme. «On pourrait reconnaître la marque de la chaussure, le modèle même» glisse-t-il sans fierté particulière. Jérôme est un artiste sympa, humble et amoureux de peinture figurative. Apparemment ravi d’être là, il parle volontiers de figuration. Pour lui ça passe par les gens. Et il y en a dans son oeuvre. On est plus dans une compilation de l’imagerie contemporaine que dans un hommage au passé. Romain travaille clairement les mythologies actuelles comme un gosse qu’il a su rester, sûrement son passé figuration libre.

Pour conclure je dirais que Spacejunk nous donne à voir une exposition pas si romantique que ça mais qui oui, vous parlera d’émotion. Quel que soit son rapport au Romantisme, l’expo est tout à fait enthousiasmante. C’est très agréable de se retrouver face à l’immédiateté que procure la bonne peinture figurative. Bref, une excellente proposition artistique et unique en son genre. Vraiment, allez-y.

«The New Romantics», exposition collective.
Jusqu’au 23 mars chez Spacejunk
16, rue des Capuçins
69001, Lyon.

Texte et photographies Jules Roeser

Difficile de ne pas soi-même s’identifier au moins une fois dans les multiples clichés présentés par les quatre artistes. Il est fort probable que la représentation que nous possédons tous de notre personne à l’adolescence soit ici immortalisée.

Qui ne se souvient pas des baggys beaucoup trop grand, des « Ethnies » déformées, de cette fille débarquant tout droit de Woodstock avec son style hippie, des premières petites histoires d’amour dans la cour ? Sans parler de cette ambiance architecturale des collèges et lycées sans personnalité et à la fois si particulière… le travail exposé des 4 photographes évoquera pour beaucoup de nombreuses heures passées à attendre le retentissement de la sonnerie signifiant la fin des cours. Avec les bons et les moins bons souvenirs : un ensemble de photos représentant toute la complexité et les paradoxes de l’adolescence.

Comment traiter le sujet de l’adolescence critique sans s’attarder non plus sur ces rêveries d’été, où l’on a tous pris conscience à un moment ou un autre de nos transformations sexuelles ? Cette ambiance si spéciale ou la liberté offerte par cette période de vacances aura été pour la majeure partie d’entre nous un grand moment de découverte et d’exploration de notre environnement. Les clichés de Marion Poussier représentent à mon sens un vrai plongeon dans ce passé riche en souvenirs.

L’exposition du Bleu du Ciel présente aussi la fresque murale d’Yveline Loiseur qui réinvente à sa manière la photo de classe. On obtient ainsi un regard différent sur de multiples groupes d’élèves sur fond uni, les laissant seuls face à l’objectif, sans artifices. Apparaît alors un ensemble de personnes en quête d’identité : cette impression se transmettant à la fois par les choix vestimentaire que par les expressions ou postures choisies.

Marie-Noëlle Boutin se concentre quant à elle sur la grâce de cet âge précaire ou tout reste encore à définir. Elle réussit avec succès à capturer des instants intimes auxquels nous pouvons tous nous identifier, le tout avec une maitrise technique de ses compositions séduisante. Sans oublier non plus le travail de Nicolas Savary et ses portraits saisissants d’authenticité.

Sans même se poser la question de savoir si oui ou non nous pouvons nous laisser séduire par l’approche qu’on pu vouloir avoir les photographes, le temps passé a se plonger dans ses clichés ne sera pas perdu. Il y a au fond de chacun de nous un adolescent ayant grandi mais qui sera heureux de retrouver ces souvenirs que l’on pensait avoir oublié.

«Adolescences Critiques 1» exposition collective
Jusqu’au 13 Avril 2013
Le Bleu du Ciel
12, rue des fantasques
69001 Lyon

Texte : Nicolas Chapdelaine
Photos : Jules Roeser

Le duo d’artiste Heute Heute Heute qui expose jusqu’au 31 janvier se compose de deux demoiselles : Lena Schrieb et Héloïse Derly. Elles proposent une série de 33 affiches et un livre à consulter sur place. Le grand mur de la galerie est donc occupé par ces impressions offset très colorés made in Lyon. Collaboration entre Lyon et Zurich et déjà présenté à la Fabrique de Chaumont  en 2012, «Les messages se créent» décompose et inverse le processus de création classique de l’affiche. Clairement positionné dans les arts appliqués et le graphisme, l’exposition s’applique à ôter des éléments des affiches. Qu’il s’agisse de mots ou de couleurs les deux graphistes s’amusent avant tout et cherchent à créer en oubliant les contraintes habituelles de la commande inhérente à la discipline.

Ressort de tout ça une belle claque visuelle, haute en couleur, surprenante parfois, intrigante souvent. les affiches ne communiquent plus dans notre langage mais transmettent des messages secrets qui redéploient le sens de lecture. La transformation s’opère efficacement et fonctionne aussi grâce à un accrochage réfléchi. En bref on a passé un bon moment dans le lieu toujours aussi agréable de Sunset. L’exposition cours seulement jusqu’à la fin du mois alors si vous voulez en profiter c’est dès maintenant.

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Texte et photographies Jules Roeser

Comme souvent la saison passée, La BF15 propose ici une exposition consacrée à deux artistes, ce qui correspond bien à la taille et à l’atmosphère du lieu. Partant sur des bases connues donc, on peut s’interloquer sur cet immense origami qui trône dès l’entrée. Un coup d’oeil à gauche, un autre à droite, bilan : des feuilles blanches et une photo où la couleur là aussi est absente. Chouette, une expo ardue ! Il se trouve que j’aime bien les expositions qui ne parlent pas tout de suite au visiteur pour plusieurs raisons :

• Elles demandent à ce qu’on s’intéresse réellement aux oeuvres avant d’émettre un avis légitime
• Elles ne se cachent pas sous une avalanche de couleurs pour pallier un manque de portée artistique
• Si l’exposition est mauvaise il y a double sentence : fond / forme
• Elles font râler les mauvaises langues qui n’osent pas franchir le pas de porte de l’espace d’exposition prétendant que, de toute façon, c’est de la merde

Ce dernier point est essentiel car donner du grain à moudre aux mauvaises langues est un geste plein d’humanité puisqu’ainsi on va jusqu’à reconnaître leur existence.

Pour en revenir à notre exposition pleine d’austérité donc, il est important de rappeler que « Dépliements » se consacre à explorer les champs de la géographie sous les angles de la frontière ou de la cartographie. Le travail de Daphné Nan Le Sergent m’a plus touché que celui de sa consoeur. Elle propose au regardeur une vidéo, une vitrine, une photographie et des dessins/photographies. Son travail s’articule autour de la frontière qui sépare les deux Corées. Dans sa vidéo « My Split Eye », elle symbolise ce trait imaginaire qui sépare volontairement un pays et nous montre ces touristes qui viennent voir depuis d’anciens postes militaires cette frontière qui n’existe que sur les cartes. Elle fait un étalement pudique et ténu de ce rapport de l’action de la main de l’homme sur les vies de ses semblables, jouant sur l’avant et l’après, sur la mémoire. Un travail sur le passage, peu importe la dimension.

On sent l’implication personnelle comme l’application donnée au rendu. Sobre mais pas neutre, son travail nous apprend et nous laisse comprendre.

Dans la grande salle et dans les deux vitrines de la façade, ce sont les oeuvres de Aï Kitahara que vous pourrez détailler. Plus qu’influencée par les origamis de son enfance, l’artiste se sert de cette technique de pliage pour créer des formes à la frontière entre sculpture et maquette. Ces petites pièces se rapprochent d’abris de fortune, liées au sol par quatre points. Sa réflexion passe par l’appréhension de l’espace. Pour l’artiste, « par ses limites, un espace protège en même temps qu’il emprisonne ». Il est donc question de la frontière directe entre l’Homme et son environnement. La poignée qui tourne en continu sur une des cimaises en est témoin : pourquoi tourne-t-elle dans le vide ? Il n’y a rien à ouvrir. Cette oeuvre qui ne manqura pas d’interloquer provoque un doux sentiment d’absurdité qui ne trouve écho que dans le fondement même de l’oeuvre : pourquoi cette poignée, n’ouvrant rien, nous nargue, moi et mon incapacité à l’utiliser : je suis resté coi, vaincu.

Si elle m’a moins transporté que la précédente, cette exposition à la BF15 reste une belle proposition. J’y ai appris des choses et perdu un duel mental avec une poignée de porte. Si quelqu’un veut relever le défi, c’est jusqu’au 19 janvier 2013.

« Dépliements » de Aï Kitahara et Daphné Nan Le Sergent
Jusqu’au 19 janvier 2013

La BF15
11, quai de la Pêcherie. 69001 Lyon
T/F : 33 (0)4 78 28 66 63
infos@labf15.org
www.labf15.org
Ouverture du mercredi au samedi
de 14h à 19h (métro Hôtel de Ville)

Photographies : Julien Bourrelly
Texte : Jules Roeser

« Alors non, ce ne sont pas des photographies, ce sont des dessins ». Voilà la phrase que répéteront à n’en pas douter les galeristes d’Eric Manigaud. En effet, à trois mètres de l’oeuvre il est impossible de deviner le dessin mais une fois le nez collé sur la feuille on distingue très clairement le trait de la mine de plomb. Mais la pertinence du travail du Stéphanois ne se limite pas à la prouesse technique.

Certes la maîtrise impressionne, on sent que du temps a été nécessaire pour réaliser chaque pièce. Mais au delà du sacerdoce que représente la réalisation de telles oeuvres, c’est la démarche qui interpelle. Avant de se mettre au remplissage de sa feuille blanche, Eric Manigaud se positionne comme historien. Il remue le passé et cherche les traces de ce qui a dérangé, de ce qu’on préfère oublier. Il recueille de vielles photographies, souvent encore sur plaques de verre, témoins d’heures sombres. La première guerre mondiale, les crimes parisiens, la colonisation, l’artiste nous donne à voir la dureté du début du siècle passé.

Pour cette série des « Portraits Cliniques », Eric Manigaud nous passe le bonjour de l’Hôpital Psychiatrique de Weilmünster en Allemagne. Les clichés originaux, desquels découlent les dessins ont été pris entre 1920 et 1950. Les visages sont durs à regarder. On sait que ces personnes ont souffert, il n’y a que la pudeur du dessin et du temps passé qui nous permettent de poser le regard sur de telles scènes. Le choix des photographies de départ est aussi important que le dessin final et à ce jeu là l’artiste est devenu très bon. Il sait trouver le cliché qui fera un dessin admirable. Ces talents ne sont d’ailleurs pas passés inaperçus depuis sa première exposition lyonnaise. Eric Manigaud a exposé en Allemagne et a remporté un prix en Angleterre qui lui a permis d’entrer dans les collections de Charles Saatchi, galeriste Londonien tout puissant.

On souhaite donc une belle carrière à cet acharné de la mine de plomb et de la poudre graphite, et je ne peux que vous recommander d’aller faire un tour à la Galerie Houg pour découvrir le travail remarquable d’Eric Manigaud.

« Klinikum Weilmünster » de Eric Manigaud
Jusqu’au 5 janvier 2013

Galerie Houg
45, quai Rambaud
04 78 42 98 50
Du mardi au vendredi de 10h à 19h
et le samedi de 14h à 19h
http://www.galeriehoug.com/

Texte et photographies : Jules Roeser

Jeudi 11 en fin de journée, au dessus de Sunset Résidence, il y avait de gros nuages noirs. À croire que l’artiste MOSA avait bien prémédité son coup. On vernissait sous le signe du chaos l’exposition intitulée « Countach* ». À cette occasion l’artiste, (Alexandre Bavard), jeune diplômé des Beaux Arts de Lyon nous proposait une série de peintures soigneusement intriguantes. Une montée de bouffée délirante, ça vous tente ?

En entrée, on est accueillis par un texte de SF écrit par un des membres du collectif de l’artiste à l’imagination débordante, venue d’une autre galaxie. À la place d’une documentation, une narration donc. Le récit nous amène aux prémices de l’apocalypse. Le décor est planté. On nage en plein délire fictif chaotique. Et quoi de plus actuel que cet notion de désordre général ? Quand on sait aujourdhui qu’un homme peut s’élever à plus de 39 000 mètres d’altitude au dessus de notre petite planète à l’aide d’un ballon juste pour satisfaire un record et percer le mur du son, on a du mal à mesurer l’ampleur du monde tant par sa configuration physique que par le sens métaphysique qu’on lui donne.

MOSA sur terre, en bon explorateur plasticien nous invite à pénétrer dans la construction d’un idéal fantastique. Il nous parle ici de matière élémentaire, organique et picturale ; Sur ces tableaux nous voyons s’imbriquer des formes géométriques, des planètes… Tout flotte ou presque, ainsi que ces particules de fragments légers et colorés, sortes de mini météorites posées simplement à même une table.

Il travaille à la bombe (aérosol), principalement pour ne pas dire automatiquement. A l’aide de pochoirs, d’éponges et tous autres outils qui lui passent sous la main. Il superpose les effets et retravaille les empreintes successivement avec des temps de séchage obligatoire entre les différentes couches. Par ce procédé, il donne à ces formes un relief impressionant, jaillit alors de ces peintures une profondeur saisissante ! Tout se précise par sa présentation soignée. Un chaos parfaitement maîtrisé. Il ferait presque taire la discorde de son sujet en nous emmenant sur le chemin de la poésie.

N’attendez pas le soleil pour y aller, il ne reviendra sûrement pas. Pour les différences de températures que vous allez certainement croiser avant, pendant et après l’exposition, il est conseillé de s’équiper. Tous à vos scafandres spatiaux (non subventionné par RedBull) et n’essayer pas de joindre le célèbre ranger de l’espace Buzz l’éclair pour vous accompagner, Star Command ne répond plus !

*Countach (nom d’une ancienne voiture de sport au design futuriste pour l’époque)

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Jusqu’au 11 novembre 2012

Sunset Résidence

41, rue des Tables Claudiennes. 69001 Lyon

http://www.sunset-residence.fr/

Texte : Maia Coulanges

Photographies : Aldo Paredes

Pierre Soulages a 92 ans, n’a plus rien à prouver, n’a plus besoin d’argent depuis longtemps, mais a envie. Lorsqu’il prend la parole pour s’adresser au public naphtaliné venu l’écouter ses mots se glissent délicatement dans nos oreilles tant ils sont fluides, justes et intéressants.

L’exposition présente en très large majorité des oeuvres créées depuis 2000 et c’est sur cet axe qu’il nous parle de son travail. Alors qu’il est déjà considéré comme un artiste majeur de la peinture informelle et de l’abstraction lyrique, il se réinvente en 1979 en laissant le noir envahir ses toiles : c’est la création de « l’Outrenoir ». Depuis et après de nombreux hommages rendus à son oeuvre, Pierre Soulages n’a jamais arrêté de peindre. Sa production prolifique, méthodique a notamment été montrée lors d’une rétrospective magistrale au Centre Pompidou en 2009.

Les toiles que vous verrez au Musée des Beaux-Arts sont issues de son dernier credo : la lumière au travers du noir. Pierres Soulages s’intéresse en effet depuis une décennie à la manière dont la plus sombre des couleurs peut devenir la plus claire. Il est très surprenant de voir des toiles noires s’illuminer en plusieurs parties, tranchées, brisées par la lumière qui s’y reflète. Il faut aller voir ces oeuvres, car il n’y a qu’en direct que l’on peut saisir la magie.

Pour ce qui est de l’exposition en elle-même, elle s’en sort bien. Malgré un revêtement de sol qui perturbe l’atmosphère des salles. L’accrochage est très bon mais comme toujours on aurait aimé en avoir plus. Vous avez jusqu’au 28 janvier pour aller vous plonger dans l’oeuvre de l’immense Monsieur Soulages.

http://www.mba-lyon.fr/mba/
http://www.pierre-soulages.com/

Texte : Jules Roeser
Photographies : Aldo Paredes