«Il n’y a pas de spectateurs» est une exposition en deux oeuvres. La première que vous découvrirez en entrant dans le lieu est «Subetxts». Sur de grandes impressions noires se placent des écritures en langue arabes blanches. Ces panneaux ne sont pas sans rappeler la symbolique islamique voire islamiste si on y va par les amalgames. Dans la culture arabe, cette forme d’écriture renvoie directement à la parole de Dieu. Cette forme d’expression est donc aussi prenante dans notre culture que dans la culture arabe. En effet, ici ces textes indéchiffrables pour la plupart d’entre nous, sont des pensées issues de la culture occidentale engagée.

Ainsi se crée une dualité : Nous sommes tout d’abord face à une forme visuelle qui nous renvoie à l’idée qu’il s’agit de messages islamiques, religieux donc. Puis lorsque la traduction nous est donnée, le message bascule dans notre culture, il nous parle de politique, d’engagement. Le mot «Subtexts» indique les émotions soufflées aux acteurs lorsqu’ils sont sur scène. Il y a évidemment la question du racisme qui entre en jeu mais c’est donc avant tout une émotion que veulent nous souffler les artistes.

L’oeuvre se décline sur bon nombre de supports, habituellement réservés à la publicité. Il y a va d’une invitation à la socialisation, à la compréhension d’autrui.

La seconde oeuvre est une vidéo, assez longue, intitulée «Ser y Durar» (Etre et Durer). C’est la devise du Parkour, discipline consistant à se déplacer en milieu urbain, en surpassant les obstacles qui se présentent dans le parcours de la façon la plus fluide et efficace possible, et avec les seules possibilités du corps humain.

La vidéo prend pour décor le cimetière civil de la Almudena à Madrid, lieu de sépulture d’hommes de gauche et de républicains engagés : présidents, architectes, ou philosophes. Les traceurs utilisent donc les sépultures afin de se déplacer. Ils ne prêtent pas attention aux obstacles autrement que dans leur forme. Qu’il s’agisse de tombes ou d’un banc, ça ne fait aucune différence pour eux. Ils ne veulent qu’avancer, se déplacer dans l’espace, se l’approprier.

Par le montage et les plan filmés, les artistes nous donnent à voir une histoire au travers des épitaphes : «Amour, Liberté, Socialisme» ou «La démocratie». Les performances des traceurs sont vraiment impressionnantes, ce sont des athlètes complets. Il y a un contraste fort entre leur vigueur et la symbolique plutôt morte d’un cimetière. C’est un manifeste pour leur propre groupe, une idée qu’ils écrivent au travers de leur art du déplacement, une revendication de leur existence.

«Il n’y a pas de spectateurs» par le groupe Democracia
Jusqu’au 15 juin 2013

La BF15
11, quai Pêcherie
69001 Lyon

http://labf15.org/
http://www.democracia.com.es/

Texte et Photographies par Jules Roeser

Il était une fois un animal quadrupède qui pour être parvenu à se mettre debout sur ses pattes arrière a commencé à voir les choses de haut et à se sentir bien seul. Il semblerait que voir les choses de haut lui ait permis de s’assurer une très nombreuse descendance (en parvenant entre autres à se soustraire à ses nombreux prédateurs, depuis le lion laineux jusqu’au bacille de Koch) ; si bien qu’à quelques centaines de milliers d’années du début de cette histoire, voici notre bipède pensant autorépliqué à 7 milliards d’exemplaires.

Mais de s’être ainsi arraché au troupeau primitif l’a laissé dans une telle détresse qu’il ne cherche plus depuis qu’à revenir en arrière afin de retrouver le jardin clos de ses débuts, celui où il pouvait se faire croquer gentiment et répandre son sang rouge sous des grands arbres verts, sur un parterre de fleurs ou un tapis de mousse.

Malheureusement, le parcours qui l’a conduit sur ses deux pieds jusqu’à aujourd’hui a été si long et chaotique qu’il a bien du mal à le reconstituer ; il n’a pas pris suffisamment de notes, il lui est très difficile de le retrouver.

Il y a très longtemps, quand tous les animaux parlaient encore, notre bipède n’osait pas trop s’exprimer. Il avançait en rasant non les murs, parce qu’il n’y en avait pas, mais les rochers. Il ne pipait mot et se retournait souvent pour vérifier que son ombre le suivait.

Un jour il a fabriqué une sagaie en plantant un gros caillou à la pointe d’un bâton ; il s’est senti plus fort et il a tué son premier renne. Aussitôt, il s’en est repenti et il a peint de magnifiques portraits d’animaux sur les parois de la grotte Chauvet.

Depuis, ces animaux peints n’ont cessé de lui monter à la tête, c’est à se demander s’il n’aurait pas mieux fait de continuer à marcher sur ses quatre pattes. Car à peine dessinés, voici que tous ces animaux se sont précipités hors de la grotte, puis se sont envolés et transformés en milliers d’étoiles. Ils ont rempli le ciel de constellations. L’ours est devenu ourse (grande et petite), l’auroch s’est transformé en taureau, le lion laineux a perdu ses longs poils, la chouette gravée s’est faite cygne ou aigle, le phoque de Cosquer est devenu un petit dauphin, bref le bipède ne contrôlant plus rien a commencé sérieusement à prendre peur. Il a perdu confiance en lui, et s’est mis à croire en Dieu. Au début, Dieu était assez compatissant, et à chaque fois qu’il s’adressait au bipède il prenait soin de se faire une tête d’animal et un corps de bipède pour le rassurer, pour lui faire croire qu’il n’avait pas vraiment quitté le troupeau, qu’il pourrait toujours y revenir.

Mais un jour il en a eu marre, parce que le bipède, voyant plus que jamais les choses de haut, continuait de n’en faire qu’à sa tête et de se reproduire à tour de bras. Dieu lui a dit : « Je t’ai fait à mon image et tu ne ressembles plus qu’à toi.» Comme ce bipède mangeait beaucoup, et qu’il y avait de plus en plus de bouches à nourrir, la chasse ne lui a plus suffi, et il s’est mis à élever lui-même sa nourriture pour que ça aille plus vite, et puis carrément un jour à la fabriquer dans des usines.

Dans le même temps, les gros prédateurs ayant été éliminés parce que plus faciles à repérer, il ne restait plus que les petits, et même les tout petits petits, ceux qu’un piège à rats ou un papier tue-mouches ne risquait pas d’attraper. Ces tout petits petits sont devenus très malins et ils ont commencé à rentrer dans le corps des bipèdes sans que ceux-ci ne s’en aperçoivent. Alors pour arriver à trouver la parade, il a fallu des chercheurs et des laboratoires, planter à tour de bras des aiguilles et des électrodes dans la tête de milliers de chats, de lapins et de souris pour comprendre comment ça se passait.

Désormais, tous ces milliers d’animaux qui n’ont même pas demandé à naître sont sacrifiés quotidiennement à l’abri des regards, tandis qu’une poignée de bipèdes s’agitent pour faire interdire la corrida.

Je crois que Istres est une place taurine, mais si vous êtes bipède, courrez-y, non pour brandir des panneaux barbouillés de peinture rouge, mais pour y voir le chat prophétique de Daniel Zanca, les grenouilles épinglées d’Anthony Duchêne, le chien-renard de Thomas Grünfeld, les chimères de Lionel Sabatté, le cerf de Gloria Friedman, le volatile encabané d’Antonio Gagliardi.

Et si vous continuez à péter de trouille, cher bipède pensant, placez-vous à côté du grand doberman de Daniel Otero Torres et ne bougez plus.

Jean-Jacques Salgon, avril 2013.

Photographies par Aldo Paredes

Animal Paradise
Du 29 avril au 12 octobre 2013
Centre d’art contemporain intercommunal
2, rue Aphonse Daudet, 13800, Istres

En 2004, parti d’une des sculptures de Saâdane Afif, l’artiste Lili Reynaud Dewar compose (à la demande du premier) une chanson qu’elle intitulera Blue Time. Elle est le point de base du processus qui nous amène à l’exposition présentée à l’IAC. Dans l’intervalle il y aura eu autour de cette chanson (et d’autres) différentes performances, notamment au Palais de Tokyo en 2005. Véritable fédérateur, éponge et distillateur, Le natif de Vendôme resserre ici l’étreinte sur Blue Time.

L’exposition est composée telle une oeuvre musicale, on navigue dans les différentes salles à la recherche de la bande son de l’artiste. Dans ses sculptures il utilise des éléments directement empruntés aux instruments. L’artiste les déforme, les sculpte par le biais de la reconstruction. On trouve des corps de guitare sans manches, d’autres entières, des caisses recomposées… Le son est diffusé sur des amplis de scène, le tout est relié par des jacks. Saâdane Afif nous plonge dans sa matrice, celle qui est faite de tout ce qui l’entoure. L’univers Rock passe aussi par les affiches, directement issues de ses collaborations avec les graphistes deValence, Yann Rondeau, Base Design qui avaient été crées pour les diverses extrapolations de Blue Time.

Comme à l’habitude l’IAC fait dans le minimalisme, certaines salles pourrons paraître vides, ainsi si vous prenez le temps vous pourrez vous imprégner de la portée des oeuvres présentées. De prime abord intriguante l’exposition sait se révéler entêtante, à vous de vous laisser porter.

Cliquez sur les images pour agrandir

Photographies par Aldo Paredes

Difficile de ne pas soi-même s’identifier au moins une fois dans les multiples clichés présentés par les quatre artistes. Il est fort probable que la représentation que nous possédons tous de notre personne à l’adolescence soit ici immortalisée.

Qui ne se souvient pas des baggys beaucoup trop grand, des « Ethnies » déformées, de cette fille débarquant tout droit de Woodstock avec son style hippie, des premières petites histoires d’amour dans la cour ? Sans parler de cette ambiance architecturale des collèges et lycées sans personnalité et à la fois si particulière… le travail exposé des 4 photographes évoquera pour beaucoup de nombreuses heures passées à attendre le retentissement de la sonnerie signifiant la fin des cours. Avec les bons et les moins bons souvenirs : un ensemble de photos représentant toute la complexité et les paradoxes de l’adolescence.

Comment traiter le sujet de l’adolescence critique sans s’attarder non plus sur ces rêveries d’été, où l’on a tous pris conscience à un moment ou un autre de nos transformations sexuelles ? Cette ambiance si spéciale ou la liberté offerte par cette période de vacances aura été pour la majeure partie d’entre nous un grand moment de découverte et d’exploration de notre environnement. Les clichés de Marion Poussier représentent à mon sens un vrai plongeon dans ce passé riche en souvenirs.

L’exposition du Bleu du Ciel présente aussi la fresque murale d’Yveline Loiseur qui réinvente à sa manière la photo de classe. On obtient ainsi un regard différent sur de multiples groupes d’élèves sur fond uni, les laissant seuls face à l’objectif, sans artifices. Apparaît alors un ensemble de personnes en quête d’identité : cette impression se transmettant à la fois par les choix vestimentaire que par les expressions ou postures choisies.

Marie-Noëlle Boutin se concentre quant à elle sur la grâce de cet âge précaire ou tout reste encore à définir. Elle réussit avec succès à capturer des instants intimes auxquels nous pouvons tous nous identifier, le tout avec une maitrise technique de ses compositions séduisante. Sans oublier non plus le travail de Nicolas Savary et ses portraits saisissants d’authenticité.

Sans même se poser la question de savoir si oui ou non nous pouvons nous laisser séduire par l’approche qu’on pu vouloir avoir les photographes, le temps passé a se plonger dans ses clichés ne sera pas perdu. Il y a au fond de chacun de nous un adolescent ayant grandi mais qui sera heureux de retrouver ces souvenirs que l’on pensait avoir oublié.

«Adolescences Critiques 1» exposition collective
Jusqu’au 13 Avril 2013
Le Bleu du Ciel
12, rue des fantasques
69001 Lyon

Texte : Nicolas Chapdelaine
Photos : Jules Roeser

Entre 2004 et 2010, il sillonne la France sous forme d’expédition de 15 jours en camionnette, solitaire. Il photographie à la chambre 20 x 25 posée sur un pied, tel un chevalet. Il ne parle pas seulement de photographie mais d’un véritable acte photographique, celui de s’arrêter, de se positionner à un endroit précis où plus rien d’autre n’existe autour.

Aujourd’hui à l’Hôtel de Région de Lyon, une exposition d’une quarantaine de photos format 1600 x 2000 mm, autrement dit, face à elles, on ne peux qu’être dedans.

Notre grand reporter est français et pourtant sa vision s’apparente presque à une vision américaine du début du siècle ; je pense à Walker Evans puis à Edward Rusha. Des images simples et efficaces. Des paysages dépourvus de présence humaine. On se concentre sur les enseignes, les lieux communs, les cafés / bistros, les garages, les commerces… sur ce que ça renferme et ce qu’il en reste aujourd’hui, une vie de proximité désertée.

On est touché parce qu’il nous parle d’un espace vécu, de notre territoire, de notre histoire personnelle, de notre enfance et celle de nos parents, grands parents. Témoins de cette désolante migration vers un monde délocalisé, mondialisé. Alors oui, c’est facile, mais mon dieu qu’on aime se nourrir de nostalgie.

Grâce au procédé de la chambre, les photos sont irréprochables, d’une grande qualité. La lumière est quasiment la même sur l’ensemble des photos. Temps gris lumineux. Il fait le choix de l’intersaison, pas de neige, ni de feuilles mortes, ni de grand soleil. Climat tempéré, celui de la France.

Dans l’espace d’exposition les photos se succèdent facilement. Pas de cartels nous indiquant la date et le lieu pour ne pas nous encombrer d’indices et de préjugés.

Ce rapprochement là, on le réalise plus tard avec l’annotation des lieux en légende dans un autre espace où l’on retrouve les mêmes photos version miniature dans une configuration identique à l’espace principal. Curieusement répétitif comme accrochage. Mais on met ça sur le compte de son choix toujours soucieux d’exprimer la justesse de son discours. N’allons pas contredire le maître sur ce qu’il veut laisser transparaître de son travail aux visiteurs.

Petit bémol pour la fin de l’exposition sur la présentation de la documentation du tour de France que réalise l’artiste. Toute une série de couvertures de carnets datés présentés en vitrines, le contenu rendu inaccessible aux visiteurs. Aucun intérêt.

Mais ce n’est pas ce qu’on retient quand on s’éloigne pour vaquer à nos nouvelles occupations. On repart de là, à pied, pas comme si on avait quitté un espace d’exposition habituel, mais plutôt comme un lieu chargé d’empreintes, de souvenirs, de vies.

Une envie soudaine de renouer avec notre décor urbain. D’habiter davantage.

« La France de Raymond Depardon »
Le Plateau / Hôtel de Région
1, esplanade François Mitterand. 69002 Lyon
Jusqu’au 02 mars 2013
http://www.rhonealpes.fr/626-le-plateau.htm

Texte : Maia Coulanges
Photographies : Jules Roeser

Lyon était donc la première étape d’une tournée anniversaire qui fera étape à Barcelone et Londres avant la fin du mois. Pour célébrer son anniversaire, Cliché a décidé de collaborer avec le skateur et artiste américain Chet Childress en lui confiant la réalisation de deux planches : une classique et un cruiser.

Ambiance très board culture en ce jeudi soir. Spacejunk a encore une fois chamboulé tout son accrochage pour proposer au public les créations du designer invité. Au milieu de l’exposition « Pure Drawing », qui court jusqu’au 15 décembre, Chet Childress a donc investit le temps d’une soirée l’espace avec ses dessins. Dans un style très street et très proche de l’iconographie de Jean-Michel Basquiat, il monte son univers personnel, décliné autour des deux modèles de boards présentés.

Entre le bar et les planches on a pu se régaler des photos de Cliché qui passaient en boucle sur le vidéo-projecteur, les plus inspirés ont même pu contribuer à l’oeuvre de Chet en posant sur l’immense feuille accrochée au mur face à l’entrée. Comme d’hab, la petite playlist qui allait bien a permis à tout ce petit monde de découvrir le travail de l’artiste et de célébrer peinard une de plus belles réussites françaises à l’export : Respect.

http://clicheskate.com/
http://spacejunk.tv/index.php

Sapcejunk
16, rue des Capucins. 69001 Lyon

Photographies : Julien Bourrelly
Texte : Jules Roeser

« Alors non, ce ne sont pas des photographies, ce sont des dessins ». Voilà la phrase que répéteront à n’en pas douter les galeristes d’Eric Manigaud. En effet, à trois mètres de l’oeuvre il est impossible de deviner le dessin mais une fois le nez collé sur la feuille on distingue très clairement le trait de la mine de plomb. Mais la pertinence du travail du Stéphanois ne se limite pas à la prouesse technique.

Certes la maîtrise impressionne, on sent que du temps a été nécessaire pour réaliser chaque pièce. Mais au delà du sacerdoce que représente la réalisation de telles oeuvres, c’est la démarche qui interpelle. Avant de se mettre au remplissage de sa feuille blanche, Eric Manigaud se positionne comme historien. Il remue le passé et cherche les traces de ce qui a dérangé, de ce qu’on préfère oublier. Il recueille de vielles photographies, souvent encore sur plaques de verre, témoins d’heures sombres. La première guerre mondiale, les crimes parisiens, la colonisation, l’artiste nous donne à voir la dureté du début du siècle passé.

Pour cette série des « Portraits Cliniques », Eric Manigaud nous passe le bonjour de l’Hôpital Psychiatrique de Weilmünster en Allemagne. Les clichés originaux, desquels découlent les dessins ont été pris entre 1920 et 1950. Les visages sont durs à regarder. On sait que ces personnes ont souffert, il n’y a que la pudeur du dessin et du temps passé qui nous permettent de poser le regard sur de telles scènes. Le choix des photographies de départ est aussi important que le dessin final et à ce jeu là l’artiste est devenu très bon. Il sait trouver le cliché qui fera un dessin admirable. Ces talents ne sont d’ailleurs pas passés inaperçus depuis sa première exposition lyonnaise. Eric Manigaud a exposé en Allemagne et a remporté un prix en Angleterre qui lui a permis d’entrer dans les collections de Charles Saatchi, galeriste Londonien tout puissant.

On souhaite donc une belle carrière à cet acharné de la mine de plomb et de la poudre graphite, et je ne peux que vous recommander d’aller faire un tour à la Galerie Houg pour découvrir le travail remarquable d’Eric Manigaud.

« Klinikum Weilmünster » de Eric Manigaud
Jusqu’au 5 janvier 2013

Galerie Houg
45, quai Rambaud
04 78 42 98 50
Du mardi au vendredi de 10h à 19h
et le samedi de 14h à 19h
http://www.galeriehoug.com/

Texte et photographies : Jules Roeser

Que de chemin parcouru, pour nous comme pour Datta. Plus de deux ans ont passé depuis cette première rencontre et beaucoup d’encre a coulé, sur ces pages comme sur les murs de la galerie. Mais l’heure n’est pas au bilan, alors ces retrouvailles, qu’en dire ?

Et bien Datta nous offre une expo dans sa veine la plus traditionnelle. Gilbert ne dénote pas du style habituel de la galerie. Cet artiste qui manie tous les outils propres au Street Art s’est lâché sur un gros wall painting qui occupe le grand mur de l’espace. On y retrouve ses formes habituelles bien mêlées et le tout lévitant tranquillement au-dessus du sol.

Gilbert joue sur plusieurs supports. Outre le mur, vous verrez des sérigraphies, des néons, des sculptures, des dessins originaux. L’exposition est assez complète sur les formes et ne s’éparpille pas sur le fond. On a beaucoup aimé les sérigraphies de la série « Dogg », en écho à l’élection US. Ces éditions se jouent des codes de l’affiche et nous collent le rictus aux lèvres. On retrouve le chien, logotype de l’artiste en sculpture et néon (Bleu, Blanc, Rouge) comme pour s’approprier le contexte politique actuel.

Une bonne expo de la culture visuelle. De plus, vous pourrez aisément vous offrir une des pièces exposées, les tarifs étant plus qu’abordables. De quoi arranger votre intérieur et briller en société lors de vos réceptions privées.

Checkmyhead par Gilbert Petit
Jusqu’au 1er décembre 2012
Chez Datta : 10, rue du Griffon. 69001 Lyon

http://www.gilbert71.com/
http://www.datta.fr/

Texte et photographies : Jules Roeser

Un peu d’histoire pour commencer. Né en 1912 en Californie, John Cage est un artiste complet. Élève de Schönberg, il a révolutionné les conceptions traditionelles de la musique occidentale ainsi que la fonction de compositeur. Il a été l’une des personnalités les plus marquantes du mouvement artistique Fluxus et a donc eu une influence considérable sur l’art du milieu du XX° siècle.

Il a été le premier à considérer Erik Satie comme un pionnier. Le compositeur français, mort en 1925, a longtemps été une figure du Montmartre qui fait aujourd’hui rêver les touristes. Côtoyant Picasso ou Debussy et fréquentant le cabaret du « Chat Noir », il a connu une vie haute en couleurs, ce qui collait assez bien avec le personnage. Satie a appartenu a une secte, en est parti puis a créé la sienne où il était gourou et seul membre. Il envoyait des lettres pour excommunier des personnes qui n’avaient même jamais entendu parlé de cette « Eglise métropolitaine d’art de Jésus conducteur ».

Pour revenir dans un registre plus artistique, Erik Satie a surtout désacralisé la musique et l’a utilisé comme médium de création artistique. Il a notamment créé le concept de musique d’ameublement (comprendre d’ambiance). Tout au long de sa carrière il a composé des oeuvres variées, expressives comme austères, toujours en privilégiant la recherche des limites de la musique.

En tant que musicien contemporain et artiste total, John Cage a été plus qu’influencé par le compositeur français dont il collectionnait les oeuvres, photos et objets. Cette collection est d’ailleurs une des sales les plus intéressantes de l’exposition. On y découvre la passion d’un artiste pour un autre et l’on comprend ainsi leurs liens intellectuels. Cage a rencontré nombre d’artistes majeurs comme Piet Mondrian, André Breton ou Marcel Duchamp, mais c’est avec le chorégraphe Merce Cunningham qu’il travaillera le plus. En 1944, Cage arrange « Socrate », composition d’Erik Statie pour une mise en scène de Cunningham.

Sa performance la plus remarquable concernant de l’oeuvre de Satie a consisté en l’interprétation de «Vexation » joué au Pocket Theatre de New-York, pendant plus de 18 heures d’affilées. Cette oeuvre se compose d’un motif unique répété 840 fois. Eh oui, l’oeuvre de John Cage est globalement très pointue, elle ne se laisse pas appréhender au premier coup d’oreille.

Pour la visite de l’exposition j’ai eu la chance d’avoir à mes côtés Fanny et Slim, médiatrice au MAC et musicien de leurs états. Je dois dire qu’en prenant notre temps et en écoutant les conseils de nos deux spécialistes, mes compagnons d’exposition et moi-même avons pu apprécier le travail du compositeur américain.

L’exposition se décompose en plusieurs salles, et si on ôte celle qui fait état de la collection des pièces de Satie par John Cage, je dois bien avouer qu’elles ne m’ont pas apporté plus que ça. Malheureusement pour le musée, l’oeuvre de Cage est plus musicale que plastique, plus performative que pérenne. Si on comprend la nécessité et les dimensions scientifiques et artistiques d’une exposition consacrée à John Cage, il faut admettre que son application pratique est difficile à concevoir.

Le MAC Lyon m’a parfois donné l’impression de meubler ses salles. On ne trouve que peu d’originaux mais surtout des agrandissements de partition. Et si les explications de Slim en matière d’épuration de la partition par l’artiste ont révélé la grande créativité et l’intelligence de John Cage, les nombreuses partitions qui recouvrent les murs de l’exposition ne sont pas toutes nécessaires et chargent inutilement les espaces.

Il y a beaucoup d’interprétation et de mise en scène autour des idées du compositeur, des réminiscences de performances ou encore ces immenses agrandissements de minuscules gravures situées sur une des oeuvres majeures de l’artiste : une série de boîtes au verre brisé (en référence à Marcel Duchamp) contenant des «cadeaux» à l’attention de Satie. Un cabinet de curiosité aurait été plus approprié à la découverte de l’objet qui s’estompe presque dans cette salle trop grande.

La commissaire d’exposition Laura Kuhn a apparemment tenu a ce que l’exposition occupe beaucoup d’espace, c’est un des reproches que je ferais à cette proposition du musée qui, solidement appuyée par Goerges Brecht et La Monte Young se pose comme une expérience notable dans la découverte de l’oeuvre de John Cage.

Pour être complet sur ce que vous verrez au MAC, on note la double présence des dômes de Richard Buckminster Fuller, accompagnés de quelques dessins déjà montrés lors de la biennale à la Fondation Bullukian. La Monte Young et Marian Zazeela occupent le troisième étage avec une installation lumineuse et sonore qui vous plongera dans une ambiance qui saura frôler avec la transe. Quant à Goerges Brecht, il s’est installé dans le hall de musée, ce qui ne lui aurait sans doute pas déplu. Vous profiterez ainsi de ses « Events » et pourrez devenir oeuvre l’espace d’un instant.

« Cages’s Satie » jusqu’au 30 décembre 2012
MAC Lyon, Cité internationale
Du mercredi au dimanche de 11h à 18h
http://www.mac-lyon.com/mac

Texte : Jules Roeser
Photographies : Aldo Paredes