Tu es graphiste ? Illustrateur ? Photographe ? Ou bien simplement passionné de mode, alors crée ton visuel sur le thème « SEA SIDE STORY » et envoie-le nous à l’adresse : seasidestory@lemauvaiscoton.fr

Tu as 3 semaines pour partiper, à l’issue desquelles un jury constitué de membres d’LMC et de CFR désignera 2 gagnants.

Les Tee-Shirts seront alors imprimés et exposé chez Cream lors d’un apéro/vernissage.

Modalités de participation :

- Limité à 1 visuel par participant

- Taille du visuel : 36×42 cm maximum

- Date limite de participation : vendredi 7 juin

- Like les pages LMC et  Candy For Richmen :

(LMC)

(CFR)

En savoir plus sur Candy For Richmen :

Facebook : https://www.facebook.com/candyforrichmen.official

Website : http://www.candyforrichmen.com/

Lookbook SUMMER 2013 :

Cream Workshop :

Website : http://cream-workshop.com

Facebook : https://www.facebook.com/creamworkshop.lyon?group_id=0

Workshop Print // Galerie Art-Tee
38, rue Sergent Blandan – Lyon 1er

«Il n’y a pas de spectateurs» est une exposition en deux oeuvres. La première que vous découvrirez en entrant dans le lieu est «Subetxts». Sur de grandes impressions noires se placent des écritures en langue arabes blanches. Ces panneaux ne sont pas sans rappeler la symbolique islamique voire islamiste si on y va par les amalgames. Dans la culture arabe, cette forme d’écriture renvoie directement à la parole de Dieu. Cette forme d’expression est donc aussi prenante dans notre culture que dans la culture arabe. En effet, ici ces textes indéchiffrables pour la plupart d’entre nous, sont des pensées issues de la culture occidentale engagée.

Ainsi se crée une dualité : Nous sommes tout d’abord face à une forme visuelle qui nous renvoie à l’idée qu’il s’agit de messages islamiques, religieux donc. Puis lorsque la traduction nous est donnée, le message bascule dans notre culture, il nous parle de politique, d’engagement. Le mot «Subtexts» indique les émotions soufflées aux acteurs lorsqu’ils sont sur scène. Il y a évidemment la question du racisme qui entre en jeu mais c’est donc avant tout une émotion que veulent nous souffler les artistes.

L’oeuvre se décline sur bon nombre de supports, habituellement réservés à la publicité. Il y a va d’une invitation à la socialisation, à la compréhension d’autrui.

La seconde oeuvre est une vidéo, assez longue, intitulée «Ser y Durar» (Etre et Durer). C’est la devise du Parkour, discipline consistant à se déplacer en milieu urbain, en surpassant les obstacles qui se présentent dans le parcours de la façon la plus fluide et efficace possible, et avec les seules possibilités du corps humain.

La vidéo prend pour décor le cimetière civil de la Almudena à Madrid, lieu de sépulture d’hommes de gauche et de républicains engagés : présidents, architectes, ou philosophes. Les traceurs utilisent donc les sépultures afin de se déplacer. Ils ne prêtent pas attention aux obstacles autrement que dans leur forme. Qu’il s’agisse de tombes ou d’un banc, ça ne fait aucune différence pour eux. Ils ne veulent qu’avancer, se déplacer dans l’espace, se l’approprier.

Par le montage et les plan filmés, les artistes nous donnent à voir une histoire au travers des épitaphes : «Amour, Liberté, Socialisme» ou «La démocratie». Les performances des traceurs sont vraiment impressionnantes, ce sont des athlètes complets. Il y a un contraste fort entre leur vigueur et la symbolique plutôt morte d’un cimetière. C’est un manifeste pour leur propre groupe, une idée qu’ils écrivent au travers de leur art du déplacement, une revendication de leur existence.

«Il n’y a pas de spectateurs» par le groupe Democracia
Jusqu’au 15 juin 2013

La BF15
11, quai Pêcherie
69001 Lyon

http://labf15.org/
http://www.democracia.com.es/

Texte et Photographies par Jules Roeser

Il était une fois un animal quadrupède qui pour être parvenu à se mettre debout sur ses pattes arrière a commencé à voir les choses de haut et à se sentir bien seul. Il semblerait que voir les choses de haut lui ait permis de s’assurer une très nombreuse descendance (en parvenant entre autres à se soustraire à ses nombreux prédateurs, depuis le lion laineux jusqu’au bacille de Koch) ; si bien qu’à quelques centaines de milliers d’années du début de cette histoire, voici notre bipède pensant autorépliqué à 7 milliards d’exemplaires.

Mais de s’être ainsi arraché au troupeau primitif l’a laissé dans une telle détresse qu’il ne cherche plus depuis qu’à revenir en arrière afin de retrouver le jardin clos de ses débuts, celui où il pouvait se faire croquer gentiment et répandre son sang rouge sous des grands arbres verts, sur un parterre de fleurs ou un tapis de mousse.

Malheureusement, le parcours qui l’a conduit sur ses deux pieds jusqu’à aujourd’hui a été si long et chaotique qu’il a bien du mal à le reconstituer ; il n’a pas pris suffisamment de notes, il lui est très difficile de le retrouver.

Il y a très longtemps, quand tous les animaux parlaient encore, notre bipède n’osait pas trop s’exprimer. Il avançait en rasant non les murs, parce qu’il n’y en avait pas, mais les rochers. Il ne pipait mot et se retournait souvent pour vérifier que son ombre le suivait.

Un jour il a fabriqué une sagaie en plantant un gros caillou à la pointe d’un bâton ; il s’est senti plus fort et il a tué son premier renne. Aussitôt, il s’en est repenti et il a peint de magnifiques portraits d’animaux sur les parois de la grotte Chauvet.

Depuis, ces animaux peints n’ont cessé de lui monter à la tête, c’est à se demander s’il n’aurait pas mieux fait de continuer à marcher sur ses quatre pattes. Car à peine dessinés, voici que tous ces animaux se sont précipités hors de la grotte, puis se sont envolés et transformés en milliers d’étoiles. Ils ont rempli le ciel de constellations. L’ours est devenu ourse (grande et petite), l’auroch s’est transformé en taureau, le lion laineux a perdu ses longs poils, la chouette gravée s’est faite cygne ou aigle, le phoque de Cosquer est devenu un petit dauphin, bref le bipède ne contrôlant plus rien a commencé sérieusement à prendre peur. Il a perdu confiance en lui, et s’est mis à croire en Dieu. Au début, Dieu était assez compatissant, et à chaque fois qu’il s’adressait au bipède il prenait soin de se faire une tête d’animal et un corps de bipède pour le rassurer, pour lui faire croire qu’il n’avait pas vraiment quitté le troupeau, qu’il pourrait toujours y revenir.

Mais un jour il en a eu marre, parce que le bipède, voyant plus que jamais les choses de haut, continuait de n’en faire qu’à sa tête et de se reproduire à tour de bras. Dieu lui a dit : « Je t’ai fait à mon image et tu ne ressembles plus qu’à toi.» Comme ce bipède mangeait beaucoup, et qu’il y avait de plus en plus de bouches à nourrir, la chasse ne lui a plus suffi, et il s’est mis à élever lui-même sa nourriture pour que ça aille plus vite, et puis carrément un jour à la fabriquer dans des usines.

Dans le même temps, les gros prédateurs ayant été éliminés parce que plus faciles à repérer, il ne restait plus que les petits, et même les tout petits petits, ceux qu’un piège à rats ou un papier tue-mouches ne risquait pas d’attraper. Ces tout petits petits sont devenus très malins et ils ont commencé à rentrer dans le corps des bipèdes sans que ceux-ci ne s’en aperçoivent. Alors pour arriver à trouver la parade, il a fallu des chercheurs et des laboratoires, planter à tour de bras des aiguilles et des électrodes dans la tête de milliers de chats, de lapins et de souris pour comprendre comment ça se passait.

Désormais, tous ces milliers d’animaux qui n’ont même pas demandé à naître sont sacrifiés quotidiennement à l’abri des regards, tandis qu’une poignée de bipèdes s’agitent pour faire interdire la corrida.

Je crois que Istres est une place taurine, mais si vous êtes bipède, courrez-y, non pour brandir des panneaux barbouillés de peinture rouge, mais pour y voir le chat prophétique de Daniel Zanca, les grenouilles épinglées d’Anthony Duchêne, le chien-renard de Thomas Grünfeld, les chimères de Lionel Sabatté, le cerf de Gloria Friedman, le volatile encabané d’Antonio Gagliardi.

Et si vous continuez à péter de trouille, cher bipède pensant, placez-vous à côté du grand doberman de Daniel Otero Torres et ne bougez plus.

Jean-Jacques Salgon, avril 2013.

Photographies par Aldo Paredes

Animal Paradise
Du 29 avril au 12 octobre 2013
Centre d’art contemporain intercommunal
2, rue Aphonse Daudet, 13800, Istres

En 2004, parti d’une des sculptures de Saâdane Afif, l’artiste Lili Reynaud Dewar compose (à la demande du premier) une chanson qu’elle intitulera Blue Time. Elle est le point de base du processus qui nous amène à l’exposition présentée à l’IAC. Dans l’intervalle il y aura eu autour de cette chanson (et d’autres) différentes performances, notamment au Palais de Tokyo en 2005. Véritable fédérateur, éponge et distillateur, Le natif de Vendôme resserre ici l’étreinte sur Blue Time.

L’exposition est composée telle une oeuvre musicale, on navigue dans les différentes salles à la recherche de la bande son de l’artiste. Dans ses sculptures il utilise des éléments directement empruntés aux instruments. L’artiste les déforme, les sculpte par le biais de la reconstruction. On trouve des corps de guitare sans manches, d’autres entières, des caisses recomposées… Le son est diffusé sur des amplis de scène, le tout est relié par des jacks. Saâdane Afif nous plonge dans sa matrice, celle qui est faite de tout ce qui l’entoure. L’univers Rock passe aussi par les affiches, directement issues de ses collaborations avec les graphistes deValence, Yann Rondeau, Base Design qui avaient été crées pour les diverses extrapolations de Blue Time.

Comme à l’habitude l’IAC fait dans le minimalisme, certaines salles pourrons paraître vides, ainsi si vous prenez le temps vous pourrez vous imprégner de la portée des oeuvres présentées. De prime abord intriguante l’exposition sait se révéler entêtante, à vous de vous laisser porter.

C’est toujours agréable d’aller à un vernissage chez Datta, de mémoire je n’y ai passé que de bonnes soirées. Pour celle de vendredi dernier j’étais donc plutôt enjoué à l’idée de me rendre à la première étape de l’expédition lyonnaise de Snatch. Beaucoup de monde évidemment, pas mal de bonnets colorés, de cols fermés, un manteau en poil blanc, de la Grolsh et quelques photographies. Comme Datta est aussi une librairie très branchée, quand tu ne regardes pas les oeuvres dans l’espace galerie tu peux toujours jeter un oeil aux très originaux livres proposés par Julien.

Si vous voulez aller voir de vous-même les photographies, notamment celles de Vincent Desailly mettant en scène (le presque lyonnais) Oxmo Puccino ou encore Rim’K du 113 dans des costumes et décors du XVII° siècle, l’exposition cours jusqu’à dimanche seulement.

Datta
10, rue du griffon
69001 Lyon

http://www.datta.fr/

Texte et photographies par Jules Roeser

Odö est un artiste soigné. Clairement marqué au fer par la pop culture venue de l’autre côté de l’Atlantique, le Bayonnais présente une série d’oeuvres originales extrêmement fines dans leur exécution ainsi que plusieurs sérigraphies à emporter chez soi pour une somme raisonnable. Travaillant au stylo, au lavis et à l’aquarelle, il vous faudra vraiement coller le nez sur ses dessins avant de voir les coulisses de l’oeuvre. Le garçon est très, très précis et appliqué dans le geste.

Passant en revue des icônes de jeunesse (parfois tardive) allant de Mickey à Bender de Futurama, il a également fourni un travail nouveau sur les fibres qui investissent dorénavant ses dessins. Une exposition intense donc, où les illustrations proposées risquent fort de vous sauter au visage.

Odö - Cross My Heart and Hope to Die
jusqu’au 11 mai 2013

Spacejunk Art Center
10, rue des Capuçins
69001 Lyon

http://www.spacejunk.tv/v4/

Texte et photographies par Jules Roeser

Cliquez sur les images pour agrandir

Photographies par Aldo Paredes

Avant de porter un oeil à l’exposition qui ici nous intéresse, je vous invite à le jeter dans le rétroviseur, votre oeil. Back to the 70’s, from the XVIII°s. Allez, LMC enfile sa veste jaune moutarde à ronds de cuir, son velours côtelé et ses mocassins à glands pour se muer en prof d’histoire de l’art (désolé pour cette caricature entre mes souvenirs, les clichés les plus répandus sur les profs et la rubrique « où est le cool ? » des inrocks).

Chapitre 1 : Le Romantisme.

Le Romantisme est avant tout un mouvement global, il touche tous les genres d’expression artistique (littérature, poésie, musique, peinture) et concerne les grand pays d’Europe de l’époque (Allemagne, Angleterre, France, Italie, etc.). Je ne vous fais pas le laïus sur le mythe de l’artiste maudit ni sur les chefs-d’oeuvres de Victor Hugo, Chateaubriand, Goethe, ou Baudelaire, mais il paraît que c’est pas mal comme boulot et que ça vaut le détour. Concentrons nous sur ce qui nous intéresse ici : la peinture.

Comme ses comparses des autres horizons culturels, la peinture romantique se dessine un destin aux alentours de 1770. Principalement inspiré par les écrivains et les poètes, les peintres vont au travers de leurs huiles s’attacher à décortiquer leur «moi», à explorer des thèmes comme l’Orient, la tempête, bref à mettre en image des émotions, leurs émotions. Le Romantisme se construit aussi en réaction (ou en parallèle) au néoclassicisme. Directement hérité de la fascination pour les voyages en terre antique comme Pompéï, le néoclassicisme s’encre dans un imaginaire directement lié aux mythes greco-romains. Un peintre comme Jean Auguste Dominique Ingres (élève de David, maître du néoclassicisme et peintre officiel de Napoléon) marquera en France une sorte de transition entre ces deux mouvements contemporains.

William Turner / Pluie, Vapeur et Vitesse : la grande voie ferrée de l’Ouest / 1844

Pour en revenir au Romantisme, il se développera essentiellement chez nous à partir des années 1820 au travers de peintres comme Eugène Delacroix ou Théodore Géricault. Bien entendu nos amis d’outre Rhin et d’outre Manche ne sont pas totalement en reste. Caspar David Freidrich ou (mon préféré) Wiliam Turner représentant pour leurs Crews. Si les Français régalent avec des chefs-d’oeuvres comme «La Mort de Sardanapale» (Delacroix, 1827) ou l’immense «Radeau de la Méduse» (Géricault, 1819), mettant en scène des personnages aux corps exacerbés et tortueux, à l’étranger on est plus porté sur le paysage. Lorsque Freidrich impose son style genre de dos face aux éléments, Turner ambiance les salons avec des vues brumeuses, dorées par un soleil perçant les nuages. Les thèmes peints n’ont donc plus rien à voir avec ceux de l’école classique. On oublie la religion et l’antiquité. On s’occupe de soi, des autres, de la politique, de l’exotisme, de l’Homme.

Théodore Gericault / Le Radeau de La Méduse / 1819

En somme, pas évident de résumer un siècle de création trans-genre en trois paragraphes mais vous l’aurez compris, le Romantisme en peinture c’est du figuratif (oui je sais l’abstraction arrive seulement 100 ans plus tard), de l’émotion, des ombres, des cols relevés, la mèche au vent et surtout de la matière. Les toiles vibrent, tournent, expriment. Les maîtres se mettent à nu, se dévoilent, s’explorent. Si le mythe du romantique (incompris dans sa mansarde) est né avec ce mouvement c’est qu’il est question de passion, d’intime. L’artiste aspire à un idéal intérieur, comme s’il recherchait la paix du dedans en montrant sur sa toile le chaos qui l’occulte. Fait de passion, le Romantisme est un mouvement honnête ou l’artiste laisse l’émotion primer sur la technique et le savoir-faire, pourtant bien souvent présents.

Evidemment si ce mouvement pictural majeur vous intéresse davantage, notre ami commun google (ou la bibliothèque la plus proche) vous apprendra tout ce que vous aurez la patience de lire.

Retour jeudi dernier. Nous sommes chez Spacejunk, il est 19h30. Quatre artistes s’attaquent donc à ce que les commissaires de l’expo nous présentent comme le nouveau romantisme. Il est vrai qu’il s’agit ici d’émotion. Les toiles présentées nous transportent en un certain sens, l’imaginaire décolle. On se trouve confronté à des oeuvres à la technique passée, augmentées d’éléments contemporains.

L’artiste qui se rapproche le plus du romantisme est sans doute Martin Wittfooth. Ses oeuvres semblent carrément avoir 150 ans même si il est évident que le lance-flamme opère une recontextualisation historique à côté de laquelle personne ne sera passée. Il y a bien du Turner chez lui, du Géricault aussi. Mais ils sont présents essentiellement dans le décor, le second plan. Les sujets ne concernent pas l’homme mais l’animal, ce qui est à l’opposé des questions romantiques.

Concernant les trois autres peintres j’ai eu plus de mal à trouver des corrélations entre le romantisme et leur (très bon) travail. L’italien Nicola Vertlato descendrait plutôt du Maniérisme de Michel-Ange. Il y a du biblique dans son oeuvre. La lumière se chargeant de magnifier les muscles des corps qui flottent dans l’espace du cadre. Le Romantisme apparaît à quelques occasions dans des décors, dans les nuages. Mais les poses, l’éclairage théâtral ainsi que les compositions de ses toiles l’en écartent. Cependant, ses oeuvres restent une excellente transposition temporelle de la peinture maniériste. Le travail de Billy Norrby touche au Romantisme par le biais du poétique. Effets de lumière  et artifices colorés l’inscrive dans notre période contemporaine. Son oeuvre semble assez éclectique mais il garde la qualité comme constante.

Je termine avec la french touch de l’exposition : Jérôme Romain. Sans que ça n’affecte en quoique ce soit la pertinence de ses toiles, le seul français de la bande est clairement celui qui a le moins de points communs avec ses illustres ancêtres romantiques. Doué des pinceaux, il travaille l’hyperréalisme. «On pourrait reconnaître la marque de la chaussure, le modèle même» glisse-t-il sans fierté particulière. Jérôme est un artiste sympa, humble et amoureux de peinture figurative. Apparemment ravi d’être là, il parle volontiers de figuration. Pour lui ça passe par les gens. Et il y en a dans son oeuvre. On est plus dans une compilation de l’imagerie contemporaine que dans un hommage au passé. Romain travaille clairement les mythologies actuelles comme un gosse qu’il a su rester, sûrement son passé figuration libre.

Pour conclure je dirais que Spacejunk nous donne à voir une exposition pas si romantique que ça mais qui oui, vous parlera d’émotion. Quel que soit son rapport au Romantisme, l’expo est tout à fait enthousiasmante. C’est très agréable de se retrouver face à l’immédiateté que procure la bonne peinture figurative. Bref, une excellente proposition artistique et unique en son genre. Vraiment, allez-y.

«The New Romantics», exposition collective.
Jusqu’au 23 mars chez Spacejunk
16, rue des Capuçins
69001, Lyon.

Texte et photographies Jules Roeser

Difficile de ne pas soi-même s’identifier au moins une fois dans les multiples clichés présentés par les quatre artistes. Il est fort probable que la représentation que nous possédons tous de notre personne à l’adolescence soit ici immortalisée.

Qui ne se souvient pas des baggys beaucoup trop grand, des « Ethnies » déformées, de cette fille débarquant tout droit de Woodstock avec son style hippie, des premières petites histoires d’amour dans la cour ? Sans parler de cette ambiance architecturale des collèges et lycées sans personnalité et à la fois si particulière… le travail exposé des 4 photographes évoquera pour beaucoup de nombreuses heures passées à attendre le retentissement de la sonnerie signifiant la fin des cours. Avec les bons et les moins bons souvenirs : un ensemble de photos représentant toute la complexité et les paradoxes de l’adolescence.

Comment traiter le sujet de l’adolescence critique sans s’attarder non plus sur ces rêveries d’été, où l’on a tous pris conscience à un moment ou un autre de nos transformations sexuelles ? Cette ambiance si spéciale ou la liberté offerte par cette période de vacances aura été pour la majeure partie d’entre nous un grand moment de découverte et d’exploration de notre environnement. Les clichés de Marion Poussier représentent à mon sens un vrai plongeon dans ce passé riche en souvenirs.

L’exposition du Bleu du Ciel présente aussi la fresque murale d’Yveline Loiseur qui réinvente à sa manière la photo de classe. On obtient ainsi un regard différent sur de multiples groupes d’élèves sur fond uni, les laissant seuls face à l’objectif, sans artifices. Apparaît alors un ensemble de personnes en quête d’identité : cette impression se transmettant à la fois par les choix vestimentaire que par les expressions ou postures choisies.

Marie-Noëlle Boutin se concentre quant à elle sur la grâce de cet âge précaire ou tout reste encore à définir. Elle réussit avec succès à capturer des instants intimes auxquels nous pouvons tous nous identifier, le tout avec une maitrise technique de ses compositions séduisante. Sans oublier non plus le travail de Nicolas Savary et ses portraits saisissants d’authenticité.

Sans même se poser la question de savoir si oui ou non nous pouvons nous laisser séduire par l’approche qu’on pu vouloir avoir les photographes, le temps passé a se plonger dans ses clichés ne sera pas perdu. Il y a au fond de chacun de nous un adolescent ayant grandi mais qui sera heureux de retrouver ces souvenirs que l’on pensait avoir oublié.

«Adolescences Critiques 1» exposition collective
Jusqu’au 13 Avril 2013
Le Bleu du Ciel
12, rue des fantasques
69001 Lyon

Texte : Nicolas Chapdelaine
Photos : Jules Roeser

C’est donc pendant 5 jours que l’association Dolus & Dolus, épaulée par les lyonnais très actifs de AADN et les genevois du Mapping Festival présentent leur Mirage Festival. Des Subsistances au Club Tranbo en passant par différents lieux du 1er arrondissement vous pourrez découvrir des installations, prendre part à des soirées et assister à des performances live, le tout en mode émergeant, innovant et indépendant.

On démarre mercredi à 18H30 pour finir le dimanche en fin de journée. Durant tout le festival se suivront projets éphémères et installations participatives. Vous trouverez ces dernières chez Datta, Sunset Résidence et à la galerie H+.

L’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon présentera le Projet collaboratif « Fundbüro  étape 1 – Réfectoire des Nonnes ». Développé entre Lyon et Johannesburg, l’exposition va témoigner des travaux théoriques et plastiques permis par la distance (envoi postaux, traçabilité, etc.)

La mairie du 1er quant à elle accueillera des ateliers ainsi que des conférences sur les problématiques liés au monde des arts et cultures numériques.

Ne manquez pas les performances de LSD et YRO samedi 16 à la salle Garcin avant de vous rendre à la Mirage Nuit 2 au Club Transbo pour expérimenter jusque 5 du mat’. A moins que la Mirage Nuit 1 de la veille au DV1 ne vous ait déjà épuisé les capteurs.

Encore bien d’autres pépites à découvrir dans la programmation ou par vous même. Donc si le digital, le numérique, le 2.0 et autres réjouissances post-minitel sont votre dada, vous savez quoi faire la semaine pro.

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Pour toutes les infos et les détails c’est par là :

www.miragefestival.com
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