En 2004, parti d’une des sculptures de Saâdane Afif, l’artiste Lili Reynaud Dewar compose (à la demande du premier) une chanson qu’elle intitulera Blue Time. Elle est le point de base du processus qui nous amène à l’exposition présentée à l’IAC. Dans l’intervalle il y aura eu autour de cette chanson (et d’autres) différentes performances, notamment au Palais de Tokyo en 2005. Véritable fédérateur, éponge et distillateur, Le natif de Vendôme resserre ici l’étreinte sur Blue Time.

L’exposition est composée telle une oeuvre musicale, on navigue dans les différentes salles à la recherche de la bande son de l’artiste. Dans ses sculptures il utilise des éléments directement empruntés aux instruments. L’artiste les déforme, les sculpte par le biais de la reconstruction. On trouve des corps de guitare sans manches, d’autres entières, des caisses recomposées… Le son est diffusé sur des amplis de scène, le tout est relié par des jacks. Saâdane Afif nous plonge dans sa matrice, celle qui est faite de tout ce qui l’entoure. L’univers Rock passe aussi par les affiches, directement issues de ses collaborations avec les graphistes deValence, Yann Rondeau, Base Design qui avaient été crées pour les diverses extrapolations de Blue Time.

Comme à l’habitude l’IAC fait dans le minimalisme, certaines salles pourrons paraître vides, ainsi si vous prenez le temps vous pourrez vous imprégner de la portée des oeuvres présentées. De prime abord intriguante l’exposition sait se révéler entêtante, à vous de vous laisser porter.

Un peu d’histoire pour commencer. Né en 1912 en Californie, John Cage est un artiste complet. Élève de Schönberg, il a révolutionné les conceptions traditionelles de la musique occidentale ainsi que la fonction de compositeur. Il a été l’une des personnalités les plus marquantes du mouvement artistique Fluxus et a donc eu une influence considérable sur l’art du milieu du XX° siècle.

Il a été le premier à considérer Erik Satie comme un pionnier. Le compositeur français, mort en 1925, a longtemps été une figure du Montmartre qui fait aujourd’hui rêver les touristes. Côtoyant Picasso ou Debussy et fréquentant le cabaret du « Chat Noir », il a connu une vie haute en couleurs, ce qui collait assez bien avec le personnage. Satie a appartenu a une secte, en est parti puis a créé la sienne où il était gourou et seul membre. Il envoyait des lettres pour excommunier des personnes qui n’avaient même jamais entendu parlé de cette « Eglise métropolitaine d’art de Jésus conducteur ».

Pour revenir dans un registre plus artistique, Erik Satie a surtout désacralisé la musique et l’a utilisé comme médium de création artistique. Il a notamment créé le concept de musique d’ameublement (comprendre d’ambiance). Tout au long de sa carrière il a composé des oeuvres variées, expressives comme austères, toujours en privilégiant la recherche des limites de la musique.

En tant que musicien contemporain et artiste total, John Cage a été plus qu’influencé par le compositeur français dont il collectionnait les oeuvres, photos et objets. Cette collection est d’ailleurs une des sales les plus intéressantes de l’exposition. On y découvre la passion d’un artiste pour un autre et l’on comprend ainsi leurs liens intellectuels. Cage a rencontré nombre d’artistes majeurs comme Piet Mondrian, André Breton ou Marcel Duchamp, mais c’est avec le chorégraphe Merce Cunningham qu’il travaillera le plus. En 1944, Cage arrange « Socrate », composition d’Erik Statie pour une mise en scène de Cunningham.

Sa performance la plus remarquable concernant de l’oeuvre de Satie a consisté en l’interprétation de «Vexation » joué au Pocket Theatre de New-York, pendant plus de 18 heures d’affilées. Cette oeuvre se compose d’un motif unique répété 840 fois. Eh oui, l’oeuvre de John Cage est globalement très pointue, elle ne se laisse pas appréhender au premier coup d’oreille.

Pour la visite de l’exposition j’ai eu la chance d’avoir à mes côtés Fanny et Slim, médiatrice au MAC et musicien de leurs états. Je dois dire qu’en prenant notre temps et en écoutant les conseils de nos deux spécialistes, mes compagnons d’exposition et moi-même avons pu apprécier le travail du compositeur américain.

L’exposition se décompose en plusieurs salles, et si on ôte celle qui fait état de la collection des pièces de Satie par John Cage, je dois bien avouer qu’elles ne m’ont pas apporté plus que ça. Malheureusement pour le musée, l’oeuvre de Cage est plus musicale que plastique, plus performative que pérenne. Si on comprend la nécessité et les dimensions scientifiques et artistiques d’une exposition consacrée à John Cage, il faut admettre que son application pratique est difficile à concevoir.

Le MAC Lyon m’a parfois donné l’impression de meubler ses salles. On ne trouve que peu d’originaux mais surtout des agrandissements de partition. Et si les explications de Slim en matière d’épuration de la partition par l’artiste ont révélé la grande créativité et l’intelligence de John Cage, les nombreuses partitions qui recouvrent les murs de l’exposition ne sont pas toutes nécessaires et chargent inutilement les espaces.

Il y a beaucoup d’interprétation et de mise en scène autour des idées du compositeur, des réminiscences de performances ou encore ces immenses agrandissements de minuscules gravures situées sur une des oeuvres majeures de l’artiste : une série de boîtes au verre brisé (en référence à Marcel Duchamp) contenant des «cadeaux» à l’attention de Satie. Un cabinet de curiosité aurait été plus approprié à la découverte de l’objet qui s’estompe presque dans cette salle trop grande.

La commissaire d’exposition Laura Kuhn a apparemment tenu a ce que l’exposition occupe beaucoup d’espace, c’est un des reproches que je ferais à cette proposition du musée qui, solidement appuyée par Goerges Brecht et La Monte Young se pose comme une expérience notable dans la découverte de l’oeuvre de John Cage.

Pour être complet sur ce que vous verrez au MAC, on note la double présence des dômes de Richard Buckminster Fuller, accompagnés de quelques dessins déjà montrés lors de la biennale à la Fondation Bullukian. La Monte Young et Marian Zazeela occupent le troisième étage avec une installation lumineuse et sonore qui vous plongera dans une ambiance qui saura frôler avec la transe. Quant à Goerges Brecht, il s’est installé dans le hall de musée, ce qui ne lui aurait sans doute pas déplu. Vous profiterez ainsi de ses « Events » et pourrez devenir oeuvre l’espace d’un instant.

« Cages’s Satie » jusqu’au 30 décembre 2012
MAC Lyon, Cité internationale
Du mercredi au dimanche de 11h à 18h
http://www.mac-lyon.com/mac

Texte : Jules Roeser
Photographies : Aldo Paredes

Que faire en ce jeudi trop chargé en art contemporain ? Aller au Musée ou à la Sucrière ? LMC a choisi de se rendre à la confluence pour suivre le lancement de la nouvelle foire d’art contemporian de lyon : Wall Art Fair. Vernie en même temps que l’exposition de Gianni Colossimo, située un étage au dessus, WAF a attiré du monde et fait assez rare sur une foire pour être souligné : L’ambiance était bonne.

Sans entrer dans les détails, dont nous vous rabattrons les oreilles plus tard dans la semaine, voici un petit condensé de l’ambiance et des quelques oeuvres qui nous ont plus sur les stands. WAF a une taille raisonnable : une vingtaine de galeries, principalement françaises. La Sucrière est un parfait écrin pour la manifestation qui fait honneur à l’espace usiné du bâtiment. Passé la première heure de latence où l’on attend le monde, on remarque que les allées se remplissent de visiteurs, de tous âges et de tous les styles. On peut voir les derniers Mathias Schmied chez Houg, un très gros vélo en photo chez Laurent Godin, du Georges Rousse chez Claire Gastaud. Les galeries Rabouan Moussion et laurent Mueller proposent toutes deux un mur-oeuvre, dans des styles radicalement opposés.

Mais ce qui a fait passer une bonne soirée c’était sans conteste l’ambiance conviviale qui régnait dans La Sucrière. Tout ce petit monde discute ouvertement. Du rez-de-chaussé à l’étage en passant par la mezzanine, j’ai croisé et recroisé des gens souriants, contents d’être venus, trinquants les uns avec les autres. Bref, dans la joie et la bonne humeur. Pas de carré VIP pour une fois, est-ce que ça a manqué à quelqu’un ? Je n’en ai pas eu l’impression.

Texte : Jules Roeser

Photographies : Florian Ardérighi

Cette pièce faite en bois aggloméré emprunte sa forme aux figures géométriques des tableaux de Malevitch, créateur du Suprématisme (mouvement d’avant garde russe entre 1913 et 1918 qui prône une forme d’abstraction absolue).

L’oeuvre fait également figure d’enceinte, par sa forme et par sa fonction puisqu’elle distribue plusieurs pistes sonores. Des bruits en adéquation avec sa matière, le bois, surgissent doucement des différents pores de sa surface. Des sons aux aspérités étranges, grincements et craquements opèrent comme si la sculpture était en plein travail, bel et bien vivante.
Le son vient ici souligner et relever tout l’intérêt de la forme par la question du vide et de l’espace que cette figure renferme, énigmatique.

A partir de cette matière vivante, s’installe sur les murs l’oeuvre de Guillaume Louot avec une proposition de noir en perspective.
Au premier abord, nous voyons des monochromes noirs rectangulaires, distribués sous une forme qui pourrait s’apparenter à celle de la fenêtre. Mais le projet de l’artiste est beaucoup plus complexe et réfléchi qu’il n’y paraît.

Le travail in situ de Guillaume Louot est fascinant parce qu’il nous parle du caractère primaire de la peinture et de sa rencontre avec son support, ici, le lieu. Il déconstruit le fond et la forme du tableau « objet » traditionnel en composant avec les dimensions de l’espace de la galerie.

S’inspirant des idées du Suprématisme, en bon nihiliste, Guillaume Louot remet en question la peinture telle qu’elle est pour privilégier la recherche de la vérité. Cette vérité passe par le dépouillement. Avec une intention de remplissage, il mesure au centimètre près l’endroit où il va écraser la peinture en monochrome pour faire exister le motif (répétition d’une forme donnée avec l’idée d’un prolongement). La marge entre les « tableau  » est de 3 cm, mesure qu’on appelle en architecture marge de tolérance.

Ses oeuvres in situ de « patrons articulés » pour des « peintures reportées » créent un paradoxe intéressant puisque nous avons d’une part une volonté de délimitation de l’espace et d’autre part, une idée de continuité.

Vient ensuite l’autre salle, autre pièce de Thomas Léon, avec une installation vidéo et sonore. À l’image, un film de repérage inspiré des notes de Sergueï Eisenstein pour un film non réalisé intitulé Glass House. Ce film d’animation réalisé en plan séquence ascensionnel nous offre une lecture spirale d’une architecture en verre de science-fiction prodigieuse. En même temps, cinq enceintes ornant les murs de la pièce diffusent l’enregistrement d’un instrument acoustique totalement rare et atypique, celui du Cristal Baschet. Instrument datant de 1952 sur lequel on doit effleurer avec les mains mouillées ses tiges en verre à la façon d’un piano. Un son inconnu et enivrant nous rapproche de l’image numérique par un accord sensuel. Une étroite justesse entre ce qu’on voit et ce qu’on entend, l’aspect glacial du verre réconcilié à la chaleur de la lumière qui s’y projette et se propage.

En conclusion, derrière cette exposition arborant de prime abord des formes neutres, uniformes aux allures quelque peu insipides, se cache un sens profond et délicat, pur et voluptueux agrémenté d’un mystère qui se veut indispensable.

La magie opère ! Faites l’expérience, c’est jusqu’au samedi 24 mars. Exposition « LONGITUDE » à la BF15.

Texte : Maïa Coulanges
Photographies : Jules Roeser

La galerie Artaé est une jeune galerie d’art contemporain, à deux pas du quai Augagneur, qui vient de souffler ses deux bougies, ce qui pourrait presque déjà en faire une adolescente. Je traduirais bien la durée de vie des galeries d’art en âge de chat, mais ça ne se fait pas. Mais quand même, elle a envie d’indépendance (elle n’est pas dans les pentes comme ses copines, cette petite rebelle), elle est sensible, mais pas de mièvrerie (des choix artistiques affirmés, mais qui semblent laisser une large place aux coups de coeur), et elle se laisse, ma foi, pas mal de libertés (elle ne s’acoquine pas avec un médium en particulier). Ceci étant, c’est une élève sérieuse.

Joël Ducorroy est un habitué de la galerie, et Marlène Girardin, la directrice d’Artaé, a publié une monographie du plaqueticien. Oui, plaqueticien, ça ressemble à plaquiste, mais en plus artistique. Ce qu’on voit, c’est des plaques minéralogiques qui n’en sont pas, qui annoncent, présentent, ce qu’on annonce et ne présente pas, normalement, à l’aide de mots, et d’un peu d’humour, qui semblent être ses deux outils de travail principaux. Donc, un « tableau de salle à manger » où il n’y a rien de peint, mais juste écrit… ça. Ce qui, d’une part, rend l’objet de départ, la plaque, un objet du quotidien, intéressant, au delà de l’utile de sa fonction classique, mais aussi, l’objet écrit, en fait absent, plus intriguant. Les choses semblent revêtir, par cette opération assez simple, un autre dessein, une autre perspective. Vous suivez ? Ca se tient. Y aurait-il un peu de Andy chez Joël ?

Matt Coco est en fait une fille, on est donc floué dès le début, et ça continue dans ses oeuvres pour notre plus grand plaisir . Elle nous montre des choses très poétiques, très inspirées, qui semblent vouloir dire autre chose en transparence. De la délicatesse en papier, c’est dire. Ici, un long bandeau de papier, une sorte de lé de papier blanc, comme si un organiste de barbarie un peu japonais et un peu fêlé avait laissé trainé son papier troué trop grand. Quelle musique jouait-il ? Mystère. Là, des esquisses crayonnées, coloriées, un peu évanescentes, à la fois minérales et organiques, qui ressemblent à des étapes de maquettes (architecte, designer, naturaliste ?). On dirait des collages, mais rien n’est collé, on dirait qu’il y a quelque chose qui est là, mais ce n’est pas visible, pas dessiné . On s’interroge sur ce qui manque, comme dans son installation de faux cailloux-fossiles, enfermés dans des petites boites en verre ; ici, ce serait plutôt le travail abandonné et inachevé d’un archéologue très très méticuleux, mais qui a un peu rêvé et qui en a oublié ses étiquettes. Qu’y a-t-il entre les petites boites qui sont en fait peut être en plastique, de l’air, des souvenirs ? Tout est incertain, tout est suggéré, tout semble fragile, c’est le temps, et son effet sur la matière, ici, qui sont mis en perspective. Et puis, c’est un peu comme si c’était le forum des métiers, mais où tous les artisans se seraient évaporés. Malin, et vraiment très joli.

Enfin, des vidéos troublantes, de Dania Reymond, et le temps perturbé, encore, avec une avancée interminable dans la galerie du Louvre en ruine, envahie par la végétation, d’après un tableau de Hubert Robert, peintre du XVIIIème, surnommé à juste titre « Hubert des ruines ». L’institution de la culture française par excellence, mais comme faisant partie du passé, et dans lequel la nature aurait repris tous ses droits : une perspective (encore) chronologique déphasée, le rapport nature-culture interrogé . C’est étonnant, car cela joue sur des lieux communs culturels classiques et beaucoup plus contemporains ; celui du lieu, extrêmement fameux, des paysagistes inspirés par le voyage en Italie obligatoire des artistes au XVIIIème siècle, mais aussi du cinéma anticipation. Et puis, un semblant d’électro-cardiogramme, où le son des battements du coeur serait remplacé par des paroles un peu prophétiques tirées de Pasolini ; là encore, un autre dessein que ceux de départ, successivement médical et cinématographique. Une autre perspective, que l’on peut interroger à l’infini, comme ce travelling sans fin, ou ce tracé de l’activité electrique du coeur d’on ne sait qui. Cette galerie et ces trois artistes ne nous prennent pas pour des idiots, et c’est bien.

Texte et photographies : Coralie Vienot
www.artae.fr

La BF15 est un centre d’art contemporain situé en plein coeur de Lyon et qui offre un bel espace aux artistes exerçant le difficile, mais répandu, exercice de l’installation.
Jusqu’au 21 janvier 2012 c’est l’artiste suisse Eric Hattan qui investit le lieu avec une installation nommée « Les Poissons, selon l’arrivage du jour ».

Lorsqu’on entre dans la BF15 on ne peut que constater le contraste entre le travail de l’artiste et le décor classique offert par la colline Fourvière, qui fait face au centre d’art. La proposition d’Eric Hattan étonne le visiteur qui se trouve dans un espace lisse où rien n’est accroché sur les murs ni disposé au sol. En revanche on s’interroge à propos des innombrables objets qui s’entassent dans les embrasures des fenêtres, portes et autres passages du centre d’art. En fait l’artiste joue sur l’espace de la BF15 via un principe d’inversion. Il a utilisé le mobilier et les objets du lieu pour combler les espaces « creux ». Ainsi le centre d’art est à la fois le médium et l’espace de monstration. Les parties d’habitude privées deviennent, grâce au travail de l’artiste, publiques. Ou comment montrer l’envers du décor avec les moyens du bord. Cette intervention est mise en oeuvre comme une redistribution des espaces, Eric Hattan crée une nouvelle architecture du lieu par ces dispositions qui prennent l’allure d’un Tetris géant.

En discutant avec la coordinatrice du lieu on apprend que l’artiste a pour habitude de mettre sens dessus dessous les lieux d’art où il est invité. Plusieurs vidéos incrustées dans l’installation témoignent de ses différentes performances. Cette démarche questionne judicieusement le rapport de l’espace de lieu d’art et des oeuvres, souvent mis en avant dans les expositions via ce que les commissaires nomment le « dialogue » et qui est, dans l’oeuvre d’Eric Hattan, réduit à sa plus simple expression.

Une question subsiste cependant : L’artiste va-t-il venir remettre tous les objets qu’il a utilisé à leur place d’origine ?

Eric Hattan, « Les Poissons, selon l’arrivage du jour »
Jusqu’au 21 janvier
La BF15. 11 quai de la Pêcherie, Lyon 1
Du mercredi au samedi de 14h à 19h
http://labf15.org/
Texte et photographies Jules Roeser

Avec ses allures de dandy excentrique aux reflets acidulés, ses lunettes de hippie et son reflex customisé, ce drôle de personnage que nous avons rencontré à la FIAC nous fait une démonstration live de son travail derrière notre caméra. Armé de son appareil photo et de quelques accessoires, il fait participer les badauds en leur proposant de poser. Un peu de décontraction dans cet univers un peu snob qu’est l’Art Contemporain sous la verrière du Grand Palais.

Réalisation vidéo : Cultur Prod

http://www.galerielj.com/
Réalisation vidéo : Cultur Prod

Pour vous raconter au mieux notre visite de la FIAC 2011, nous lançons avec cet article une série de reportages vidéos que nous publierons régulièrement toutes les semaines. Découvrez-ci dessous le teaser : 

Commençons par la seconde catégorie : la FIAC c‘est plus t’en as, plus on t’en donne ! 32 euros le ticket d’entrée (toute sortie est définitive), lorsque vous n’avez pas les moyens de vous payer un Dan Flavin chez David Zwirner (1 500 000 dollars). L’atmosphère qui règne dans les allées est aussi un peu irritante: on pourrait penser à un défilé de haute couture pour jeunes branchés ou vieux milliardaires, où iPad et smartphones sont devenus monnaie courante pour prendre les oeuvres d’art en photo (sic). Ou ces gens qui lâchent des «Oh c’est mimi» devant les dessins de Claire Morgan, et ceux qui jettent leurs gommes à mâcher par terre, comme si de rien n’était. Passons sur ce monde de l’art qui se regarde le nombril, et intéressons-nous au contenu des allées, qui après tout, accueillent parmi les plus belles galeries du monde.

Car les galeries de renom ont sorti de belles pièces : Wim Delvoye, Anish Kapoor, Thomas Struth, ou encore Tony Cragg. Devant la profusion des oeuvres, il est difficile de faire une sélection objective, mais comme Le Mauvais Coton n’a pas froid aux yeux, il se mouille.

On a tout d’abord aimé retrouver deux artistes découverts à Lyon sur Docks Art Fair 2007 et 2009: les peintures de Joyce Pensato chez Freidrich Petzel (New York), et les sculptures de Shiaru Shiota chez Daniel Templon (Paris). La galerie bruxelloise Rodolphe Jansen a su se distinguer avec une sélection de pièces de haute facture, comme une belle sculpture de Wim Delvoye. Celle-ci a trouvé écho sur le stand, lui aussi de qualité, de la galerie parisienne Emmanuel Perrotin où trônais une gigantesque tour de l’artiste belge, ainsi que des pièces de Xavier Veilhan, Johan Creten, et Takashi Murakami.

Dans le désordre, nous avons relevé les toiles en lamelles de journaux d’Anna Ostoya (Bortolami, New York), une photo saisissante de Rineke Dijkstra (Jan Mot, Bruxelles) intitulée «Olivier, The Foreign Legion», et la très pertinente installation murale de Taysir Batniji (Sfeir Semler, Hambourg). Cette dernière rassemble des annonces d’une agence immobilière gazaouie, sur lesquelles l’on pouvait par exemple lire «Al-Salaam neighborhood, east of Jabalaya, Al-Salaam street. Area: 200m2, ground floor + 2 floors each composed of appartments of 100m2. In each appartment: 3 rooms, small sitting room, ktitchen, bathroom/wc. Unfinished façade. Inhabitants: 30 people». Inutile de faire une traduction ou d’expliquer l’objectif de l’artiste, le message est suffisamment éloquent…

Les tableaux de Gert et Uwa Tobias ont fait sensation, ainsi que les très belles pièces des galeries Nathalie Obadia et Vallois, où l’installation de Pillar Albaracin a su attiser la curiosité des visiteurs. On a enfin pu voir en vrai les dollars sur planche de Scott Campbell chez Gmurzynska (Zurich), ainsi qu’un magnifique triptyque photographique de Cy Tombly chez Mathews Marks (New York). Il faut aussi noter les très intéressants stands des quelques galeries indiennes qui représentent un art dont on va de plus en plus parler. Ainsi qu’un projet participatif assez réussi chez Luisa Strina (Sao Paulo), où l’artiste Tonico Lemos Auad a proposé aux visiteurs de gratter tout un mur avec une pièce de monnaie, laissant apparaître l’oeuvre au fur et à mesure.

Bien sur, les stands de Kamel Mennour, Marian Goodman, Yvon Lambert, Larry Gagosian ou l’indéboulonnable Denise Renée, ont comme à leur habitude présenté des oeuvres de qualité, hors de prix, mais qui font envie.

L’édition 2011 de la FIAC a donc été plutôt réussie. Accompagnée d’événements tout au long de la semaine, elle est surtout parvenue à faire faire un pas en avant au marché de l’art français, qui avait tendance ces dernières années à reculer sur le plan européen.

Avant de quitter le dédale des allées, on retiendra cette oeuvre de Richard Prince sur laquelle était inscrite «My wife told me the car wasn’t running well, there was water in the carburetor. I asked where the car was, and she told me it was in the lake».

• Texte : Raphaël Le Manchec et Jules Roeser
• Photos : Jules Roeser
• Vidéo : en partenariat avec Cult’ur.Prod

La politique culturelle de Watou est impressionnante, notamment depuis la présence, chaque année, d’un festival d’art étendu sur tout l’été.

Le festival mêle art contemporain et poésie. Alors certes, de la poésie en néerlandais, c’est difficilement accessible, mais pour l’art contemporain, on est servi.

Les moyens sont mis en place et je dois dire avoir été surpris par le gigantisme de certaines installations qui ont de quoi faire rougir les expositions de nos métropoles.

Un petit parcours :

D’abord dans l’église, puis dans un bar dévasté, puis dans la mairie.

Marchons un peu pour sortir du village où une ferme nous accueille : dans les écuries, les granges, les combles, les jardins, les champs… des installations !

On se retrouve ensuite dans une ancienne maison de retraite vidée en plein centre du village. Drôle d’ambiance, drôle d’odeur, mais les œuvres y sont mises en valeur, comme cette montgolfière dégonflée occupant toute une pièce.

Pour finir, on entre dans la brasserie du village (et oui ici, on produit de la bière, d’ailleurs pour le festival, ils produisent même une bière spécialement pour l’occasion – cf. liens)

D’ailleurs, rien de mieux pour finir cette expo que d’aller boire une bière locale dans un des nombreux bars du village (rien que 5 sur la place), et certains sont bien plus sympathiques que les bars de nos villes (cf. photos).

Chouette !

A Watou on est content, on y voit et on y boit de jolies choses !

• Le site du festival : http://www.watou2011.be/
• Une des bières produite au village : http://www.sintbernardus.be/
• Texte et photos par Antoine Leprêtre