Leur nouvel album, accueilli avec joie par le public, a subi des critiques faciles sur l’absence « d’évolution » dans le style de musique. Mais c’est justement pour ça qu’on aime autant JSBX, parce que, comme me l’a expliqué un grand fan ;  « c’est un groupe Live, avec du cœur à l’ouvrage, de l’énergie du début à la fin et des dédicaces après le concert. Plus de trente ans de carrière et ils restent cool ». Les places vendues à guichets fermés montraient à elles seules l’envergure de ce groupe de retour avec un « back rocking » euphorisant.

Ils nous ont offert un show à leur hauteur jeudi dernier. À la fois puissants et terribles, chaque titre a été applaudi par un public à l’image de la musique du groupe ; un melting pot des genres dans lequel on pouvait rencontrer tous types de personnages allant de 16 à 80 ans. L’ambiance du concert était elle aussi très contrastée. Car, si les pogos ont été nombreux devant la scène, le fond de salle semblait plutôt calme, voir même beaucoup trop mou. Dommage, car le chanteur Jon Spencer sait animer une foule et mettait du cœur à rallumer l’énergie perdue de fans vieillissants. Sur les dernières tracks, les moins Rock’N’Roll des papis remuaient enfin.

Pour autant, le concert n’en était pas moins bon. Ces artistes longtemps attendus ont su conserver tout leur talent et faire revivre l’esprit du Rock’N’Roll grâce à une pêche d’enfer : sur scène, ils déchirent ! Avec leur gros accent américain, on a du mal à les comprendre mais dès qu’on voit le chanteur s’agiter sur sa guitare, plus besoin de mots. C’est un véritable spectacle que d’observer les gouttes de sueur tomber de son front sous les spots de lumière rouge feutrée. Du Rock, du vrai ; voilà ce qu’on voulait et voilà ce qu’on a eu, qu’il soit Blues, Punk ou Funk nous importe peu, « le Rock’N’Roll c’est avant tout un état d’esprit ».

Texte : Mélodie Bos

http://thejonspencerbluesexplosion.com/
http://www.myspace.com/jsbluesexplosion

Une chose est sûre, les températures négatives n’auront pas entamé la motivation du public lyonnais ce soir-là, le foutraque Canadien semble bien implanté dans les esprits au vu de l’affluence, le goût du sirop d’érable attire bien des abeilles.

Ce sera donc une nuit sous le signe du Québec, un brin surpris de voir une première partie, ce sera donc les jeunes de Half Moon Run qui ouvriront le bal, lookés comme les Mumfords and Sons, je ne saurais dire si c’est l’accoutrement ou les envolées de chœurs qui me font repenser aux Américains. Une chose est sûre, les virées épiques des chevelus me font directement songer à un Kings Of Leon moins gnagnan et moins cheesy, et une touche de Clara Clara pour les arrangements de percussions. Le compte est bon, le groupe vogue de-ci de-là entre grands galops (« Call Me In The Afternoon ») et légère intimité (« Give Up »), une ouverture de rideau toujours trop courte mais un groupe à découvrir d’urgence si ce n’est pas déjà fait.

Ce qui peut à première vue choquer le plus chez Patrick Watson, c’est la simplicité de ce groupe, qui non content de voyager à travers le monde toute l’année se paie le luxe de venir placer son matos, effectuer les dernières balances, autant de détails qui montrent aussi un groupe simple et authentique, dont la formation n’a pas changée d’un pouce depuis 12 ans et sa formation autour du chanteur du même nom pour le projet photo-musical Waterproof9.

La scène se pare tout à coup d’immenses cerclages de tissus ou se dérouleront tout au long du set des scénettes naturelles et/ou mystiques semblant être directement tirées des balbutiements du cinéma. Tout à été prévu pour poser l’auditeur au calme, permettant tranquillement à notre imaginaire de se laisser porter à travers la fenêtre ouverte par les Canadiens, à la visite de nos propres affects, de nos propres rêves.

C’est aussi ça Patrick Watson, une musique imagée et légère, le classique se mêle aux influences contemporaines d’Elliot Smith, on se laisse porter au croisement de notre intimité et des étendues sans fins, les arrangements fins et élégants nous font penser que Patrick ne peut être que le flamboyant fils adoptif de Jeff Buckley.

La fin du concert nous reposera en douceur dans le monde réel, revenant non sans plaisir à des titres plus anciens sans heurts, avec une nostalgie non dissimulée pour certains, ou les petits gars de Half Moon Run s’inviteront même pour un ultime tour de piste, métaphore parfaite à un passage de témoin qui tout à coup prend tout son sens.

Texte : Clément Cohé
Photographies : Marion Nigohossian

Half Moon Run : halfmoonrun.bandcamp.com
Patrick Watson : www.adventuresinyourownbackyard.com

The Pains of Being Pure at Heart, c’est un nom long et éloquent. C’est surtout un groupe de jeunes gens aux cheveux bruns de Brooklyn qui ont grandi avec les groupes des années 90 qu’on a tous aimé démesurément, un jour ou l’autre. Soit, Sonic Youth, Nirvana, et avec d’autres des années 80, comme New Order, qu’on aime beaucoup aujourd’hui, ou qu’on aime beaucoup dire qu’on aime beaucoup. Bref, références, checked. C’est aussi un groupe qui a décidé de se jeter à corps perdu dans la Pop tendre et tubesque (« Heaven Gonna Happen Now »), mais avec la bonne dose d’impatience et de bruit, pour que quand même, les illustres grands frères et soeurs puissent en être relativement fiers. Et puis, quand on parle de coeur tendre et qu’on joue des morceaux appelés « Heart In Your Heartbreak », et « A Teenager In Love », il faut y mettre un peu de larsen et de colère pour ne pas rameuter toutes les midinettes des lycées.

En fait, il y a des midinettes à ce concert, mais elles ont 25-30 ans, en tout cas, pour ce qui est de la fille devant moi qui a souri au chanteur durant environ 1h30, en effectuant une danse adaptée à chaque morceau. Si si, pas vraiment que le rythme, vraiment différente, vraiment adéquate à chaque fois, avec plein de mouvements bien trouvés, sans être ridicule, alors pourtant qu’elle ne dansait pas comme une déesse. Quand on sait à quelle point l’éventail des possibles concernant la danse de concert est restreint, à quel point les regards alentours peuvent faire peur, à quel point l’espace disponible autour de chaque personne du public est restreint (même si on relativise tout ça avec le fameux bozon), je dirais que cette fille-là, elle se sentait bien dans son coeur ce soir-là. Pas de douleurs lancinantes en tout cas.

Pareil pour le chanteur (et guitariste), Kip Berman, le mec le plus sympa du monde. Pendant le concert, il chante de sa voix un peu nasillarde, mais juste et pleine de candeur un peu désespérée, et après, c’est juste le meilleur pote de tous les gens qui l’abordent au merchandising, qui du coup, semblait dévalisé. Car oui, ce chanteur vend ses tote bags lui-même. Je me suis approchée un peu hésitante, en pensant par avance à ce que j’allais formuler en anglais, et là, juste magie de l’amour (non, ce n’est pas un hommage à Rose Laurens, même si je ne doute pas une seconde que son coeur était du cristal, bien qu’elle n’est peut être pas sans doute morte, et que cet imparfait est donc probablement insultant).

Je préfère ne pas dire ce qui se passe ensuite pour entretenir un certain suspense. Mais par ici, nulle douleur d’avoir gardé son coeur d’adolescent qui enregistrait des playlists de Joy Division à son amoureuse, et finalement sans jamais lui donner. Au contraire, de la franche sympathie, de l’intérêt pour ce futur article et le blog, pour Lyon, ses habitants, le Sonic, la playlist que j’ai ou pas, mes oreilles après le concert, bref, tout ça.

Et puis, bien sûr, Peggy Wang, la plus délicieuse chanteuse/claviériste des cinq dernières années, qui paraît peu, mais il y a un paquet de chanteuses/claviéristes délicieuses, donc oui, c’est du lourd. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien qu’elle mange des trucs mignons dans les clips du groupe, tout le monde a bien saisi qu’elle provoquait une empathie démesurée. Ce soir-là, quand elle sourit au public, à ses acolytes, tout le monde sourit en même temps, vous voyez ces gens là ? Tout le monde en connaît quelques-uns. Disons un, si vous avez peu d’amis ou qu’ils sont plutôt pénibles. Et ben pareil.

Par contre… On dirait que ce petit guitariste tristounet a beaucoup de peine dans son coeur, parce que quand même, il était sorti de scène avant son dernier larsen, et puis même quand son copain bassiste lui a timidement souri, il a baissé la tête d’un air de dire « désolé mec, tu as encore oublié que je suis trop triste, so don’t smile to me, never ever ».

Je liste aussi, une fille très très en colère après la vie, à l’entrée de l’Épicerie, mais d’un autre côté, la première partie s’appelait Flowers, ce qui annule ça je crois. En fait, je crois que ça marche plutôt, excepté pour quelques âmes égarées, et que la tendresse candide et énervée de la musique que font ces ex-adolescents fait que la peine de l’Humanité est un petit peu plus légère. Cinq personnes qui mettent du baume au coeur à des centaines d’autres en deux heures, c’est déjà beaucoup. Oui, toi aussi petit guitariste tristounet, tu peux sourire de ça.

http://www.thepainsofbeingpureatheart.com/
http://www.epiceriemoderne.com/

Texte et photographies : Coralie Vienot

Beach House, on a fait le compte juste avant le concert, si on n’a jamais vu jouer le groupe, c’est deux personnes, d’accord. Un garçon tout brun et mince, et une fille pleine de cheveux fous. En fait, ils sont trois, mais le batteur a l’air un peu ailleurs, enfin, il fait très bien son travail, mais il n’a pas l’air trop copain avec Monsieur et Madame. En fait, ils ne se regardent pas une seule fois, alors que les deux autres ont l’air de bien s’aimer. Plus que ça, même, et le public n’est pas trop inclus dans la fête. Madame fait bien quelques efforts pour discuter : « Euuuuh… ok. » et « vous êtes… oh je sais pas, y’a pas de mots. » (cette dernière phrase a l’air sympa dite comme ça, mais en fait non). L’ambiance est un peu froide, voire, glaciale parfois. En fait, Beach House, c’est un truc à deux, un truc très très joli et futé, mais à deux. Quand il y a un batteur dans le coup, plus des dizaines de personnes (ben oui, désolés d’être là…), ça ne prend pas.

Enfin, ça ne prend pas, attention : la musique est absolument envoûtante, la voix de Madame est sublime, tout est d’excellente facture et d’excellent goût. Il y a même de très beaux moments… Mais pas d’adhésion générale (en rentrant dans la voiture personne n’était vraiment d’accord, mais tout le monde était un peu plus ou moins déçu).

Des premiers morceaux frileux, tous albums confondus, comme « Norway », nom éloquent, ainsi que le nouveau single, « Lazuli », et le plus ancien « Gila » du deuxième album Devotion parmi d’autres qui semblaient se suivre et se ressembler (trop). L’atmosphère flottante entretenue par la (quand même) très belle musique de Beach House permet de sortir la tête du frigo, et tout ça nous entraîne plus tard vers quelques beaux moments, de « Silver Soul » à « New Year », où la voix soufflée de Queen Victoria accomplit son entreprise de séduction sinueuse dans le refrain, et puis, bien sûr, le divin « Zebra ». Puis la montée de Wishes, et pour moi, la plus tendre des chansons du groupe, « Myth », qui aurait pu donner son titre au groupe, tant ses mélodies sont pleines d’impressions fondues, de rêves de créatures mystiques, de souvenirs de dessins animés aux couleurs pastels et fluos. Quand on était un enfant dans les années 80 et qu’on regardait des mangas où les filles avaient des cheveux roses ou bleu, mais où les mêmes filles étaient toujours dans une quête un peu triste. Un rappel plutôt réussi, Madame a en plus une chemise géniale aux couleurs de l’arc-en-ciel, mais la perspective d’un deuxième rappel n’a pas été envisagée, ni par le public, ni sans doute par le groupe . Donc, un live respectable, mais distant, sauvé par leur musique quelquefois fabuleuse.

Parfois, les maisons de vacances, ça doit rester un fantasme. C’est durant l’hiver qu’on y pense, qu’on en rêve, et qu’on les aime le plus, parce que, en vrai, l’eau du cumulus est un peu froide et qu’on ne s’y sent pas si bien. Beach House, c’est un des meilleurs groupes des années 2010 à mon sens, mais il faut les aimer à un océan d’écart, c’est bien plus sombre que le laisse entendre le nom, et c’est ce qui est délicieux : « Zebra », dans une fête pleine de gens, est le morceau qui fait qu’on regarde le monde avec une si agréable distance et en même temps, qu’on trouve à cette scène du spectacle une beauté hypnotique. « Wild » peut rendre une séparation délicatement douloureuse. Quelques morceaux de « New Year » en plein terrifiant mois de janvier, et on s’entend dire « non mais vraiment il faut que je prenne mes places, ça va être incroyable d’écouter ça en vrai ».

Je suis une plus grande fille maintenant : j’ai compris que « les voir », ou pas, peu importe, c’est le désir un peu vénéneux de cette merveilleuse musique qui compte ; c’est ça l’effet magique de la maison de la plage.

Texte : Coralie Vienot
Photos : Florian Ardérighi

LMC : Pourrais-tu te présenter pour les personnes qui ne te connaitraient pas encore ?

Ben Sharpa : Mon nom est Ben Sharpa, je suis un musicien-artiste-lyriciste-activiste Sud africain, et citoyen du monde.

LMC : Comment pourrais-tu décrire ta musique ?

Ben Sharpa : Je la vois comme un divertissement, je n’utilise pas ma musique comme un prétexte à la transmission d’idées, mais plus pour échanger des informations, propager du positif, connecter les peuples et les personnes, c’est la base du concept du « Robot Army Music ».

LMC : On sait ta musique remplie d’engagements, en ce sens, quel est ton principal combat/ta principal lutte ?

Ben Sharpa : Je dirais que mon sujet principal serait… notre propre libération de tout type de limites et contraintes, de toute force sociales, apprendre que nous sommes oppressés par une multitude d’énergies négatives. C’est vraiment la première chose qui ressort de ma musique, se libérer de sa propre pensée, s’élever.

D’un autre coté, je dirais qu’il y a aussi une partie de moi qui pointe les situations auxquelles nous pouvons faire face, donner des solutions alternatives à tout cela.

LMC : Tu es né et a grandi en Afrique du sud, pour ensuite partir vivre aux Etats-Unis, ce voyage a t-il eu une influence sur ta carrière, sur ta musique ?

Ben Sharpa : Totalement. J’ai été exposé à la musique très tôt, quand je suis parti aux États-Unis, j’ai commencé par apprendre la musique classique, j’ai joué dans un orchestre symphonique, j’ai pris gout au hiphop plus tard, vers l’âge de 10 ans. Tout cela a permis de façonner la personne que je suis à présent.

Ce voyage a eu un impact énorme sur le reste de ma carrière. Quand je suis revenu en Afrique du sud, j’ai ressenti un véritable choc des cultures. C’était vraiment différents des States mais  il existait  à la fois les mêmes problèmes, tels que la pauvreté, le système de santé. J’ai trouvé le parallèle intéressant.  Il m’a alors semblé normal d’écrire la dessus, car ce sont des sujets traités à l’échelle mondiale, cela ne concerne pas seulement certains pays ou régions du monde, du plus développé au plus pauvre, ce sont des questions vraiment difficiles à traiter, et encore plus difficiles d’y faire face.

LMC : Depuis plusieurs années, nous sommes témoins en France ainsi que dans toute l’Europe d’une explosion d’artistes venant d’Afrique du sud, principalement dans le hip-hop. L’Afrique du sud aurait-elle trouvé la voie de sa liberté d’expression ?

Ben Sharpa : Je pense que… en Afrique du sud en particulier, nous sommes devenus plus accessibles, et le reste du monde est aussi plus accessible pour nous. Je n’ai pas vraiment de réponse à te donner sur le « Pourquoi » du soudain intérêt porté à l’Afrique du sud, il doit surement y avoir un paquet de raisons, elles sont en tout cas toutes bénéfiques en terme de culture. Être capable d’échanger, de partager, c’est vraiment une bonne chose.

LMC : Ce soir j’interview aussi Filastine, tu as déjà écouté ? Que penses-tu de sa musique ?

Ben Sharpa : Je la trouve vraiment cool ! Très intéressante dans sa manière d’utiliser toutes ces influences, tous ces styles différents, pris un peu partout autour du monde, c’est un aspect que j’aime beaucoup.

Ensuite il y a tout ce coté, comment dire… les basses lourdes, ce genre de choses, c’est vraiment mon truc.

LMC : Dans ton dernier album, tu à travaillé avec Pure Solid, tu pourrais nous parler de cette collaboration ?

Ben Sharpa : Le projet 4DLS est un projet « Son et Lumière ». C’est un concept à la base uniquement destiné à la scène, nous préférions cela à un album, jusqu’à ce que nous nous rendions compte qu’au final, les titres étaient tous vraiment bons. Nous les avons donc enregistrés et posés sur CD, nous proposons maintenant un show avec une VJ , quelque chose de vraiment différent, incorporant de nombreux styles de musique, des influences Dub, hiphop, pas mal d’électronique, de la musique futuriste pour résulter à, comme je te l’ai dit plus tôt, un message destiné à t’élever, te faire grandir, arriver à changer le cours de la réalité. C’est vraiment en ça que consiste le show, et si certains veulent en savoir plus, venez au concert, et si vous ne pouvez pas, achetez l’album, cela vous éclairera.

LMC : Tu as écouté certains artistes français récemment ?

Ben Sharpa : Pour tout te dire pas vraiment, mais j’ai beaucoup travaillé avec la France, avec Maxime Delporte pour un projet Jazz sur Toulouse, avec High Tone aussi, Niveau Zéro qui sont de bons amis, tant que le courant passe, tout me va.

LMC : Merci beaucoup pour le temps que tu nous as accordé.

Ben Sharpa : Merci à toi, merci à vous.

Propos recueillis par Clément Cohé.

Il nous aura bien fallu 15 longues minutes pour trouver une échappatoire aux loges, après avoir terminé l’entretien avec Roman Rappak, leader, chanteur, guitariste, compositeur -et pleins d’autres trucs cools à mettre sur un CV- du groupe Breton. Pas à la bourre mais presque, on débarque à temps dans la fosse histoire de ne pas louper la première partie déjà installée sur la petite scène dressée pour la soirée.

Groupe inconnu au bataillon, c’est donc avec le plus grand des mystères que je découvre Papier Tigre. Choix volontaire de ne pas m’intéresser au préalable à ces Nantais en espérant une seconde révélation mystique, mon flaire peut cette fois aller se rhabiller puisque les premières notes retentissent comme une violente agression pour mes tympans qui ne s’attendaient pas à un tel assaut de décibels. Des boules quiès, vite, je tiens à ma vie, et à mes oreilles, aussi (petite pensée pour cette âme sensible qui n’était pas aussi bien équipée, s’effondrant comme une feuille morte en milieu du live à quelques centimètres de moi). Les connexions ne se font qu’à partir de ce moment : je découvre que le guitariste ne vocifère pas, mais chante. Et plutôt bien, en plus. Couvert par son propre instrument et ceux des 2 autres musiciens (un autre guitariste, et un batteur), la voix éraillée colle au style qu’ils laissent présumer, un rock énervé et très énergique. Le concert est fluide, précis, mais reste linéaire du début à la fin. Les morceaux s’enchaînent et se ressemblent un peu, on se perd dans des titres un peu décousus et plats. Je n’arrive pas à trouver celui qui m’accrocherait, Papier Tigre ne s’avère pas être la révélation espérée, et n’aura pas retenu mon attention. On peut tout de même féliciter l’énergie qu’ils auront su nous transmettre grâce à un trio se donnant à 200 %, à en juger l’état de leur t-shirt et la température de notre organisme au bout d’une heure de live.

Pause bière et aération d’oreille interne bien méritée, le public est fin prêt pour découvrir le phénomène Breton qui dépose pour la première fois ses valises à Lyon. Roman, chef de troupe, mèche brinquebalante et capuche vissée sur la tête titille nos sens avec quelques premières notes de guitare aussitôt suivies par ses 4 potes. Premier frisson, ça démarre sur le frais et énergique « Ordnance Survey ». Le groupe confirme d’office la qualité de sa prestation live en embrayant sur « Pacemaker », beat Hip-Hop accompagné de triturations électroniques, le tout accompagné d’une guitare tropicale rendant le tout si caractéristique de la signature Breton. On ne peut cependant pas éviter la comparaison avec Foals, qui nous offre la même vitalité faussement naïve, saupoudrée d’un peu de Wu Lyf pour la voix et l’émotion.

Les mecs nous montrent l’étendue de leur talent en s’échangeant leurs instruments, jouant à tour de rôle guitare, synthé ou beatpad, le tout pour interpréter une bonne majorité des titres issus de leur nouvel album, comme le génial « Interference », sorte d’hymne fédérateur d’une nouvelle génération revendicatrice qu’on remplacerait bien à la vieillissante « God Save The Queen ». Déformation professionnelle, ou soucis du détail et de l’esthétique, ou surtout les deux, le groupe gère aussi la scénographie accompagnant le live, projetant animations et vidéos home made avec pour vitrine leur tubesque et révolté « Edward The Confessor », clip qu’ils ont en parti réalisé et qui a fait décoller la popularité du groupe depuis la fin de l’année passée. Chaque titre possède son âme propre ; Je me tourne vers ma droite, ma gauche, tout le monde semble conquis par l’enchainement des cartons: « December », « Governing Correcty », un coup de french (très primaire) avec «15X», et j’en passe.

Live étonnamment court (malgré la fraîcheur du groupe, ils ont encore un bon nombre de morceaux sous le coude) on en redemanderait bien encore un peu, mais leur tournée sans doute éprouvante nous laisse indulgents, d’autant plus qu’ils ne tarderont pas à conquérir l’Amérique du Nord d’ici quelques temps.

Tiens, mon engouement était tel que j’en ai oublié de programmer comment rentrer chez moi. L’Épicerie Moderne c’est bien, mais l’Épicerie Moderne, c’est loin. Il est temps de décrocher notre plus beau sourire d’auto-stoppeur, merci au couple de quinquagénaires pour nous avoir reconduit en terre sainte. Je m’en vais réécouter Other People’s Problems avant de me coucher, en groupie que je suis.

Texte : Sidney Krauch
Photos : Marion Nigoghossian
http://www.epiceriemoderne.com/
http://soundcloud.com/papiertigre
http://soundcloud.com/bretonlabs
http://www.youtube.com/user/bretonLABS

Belle soirée que celle d’il y a une semaine à Feyzin. Trois bon quarts d’heure de bus pour arriver à l’Epicerie Moderne sur la fin d’après midi, Ray-Ban sur le nez, prêts à tailler le bout de gras avec le Californien. Après une interview très sympathique, on a assisté au vernissage de l’exposition « Têtes de Capuches » de Sabine Serrad. La photographe lyonnaise inaugurait une série de portraits comme en fenêtres. On y voit des personnes-sculptures qui renvoient à son univers très tourné vers l’objet. Une belle démarche qui a su plaire au public nombreux, venu en avance pour le concert. Dernière étape, la soirée, le show minimal mais terriblement efficace d’Hanni El Kahtib. From L.A. to Feyzin on a prit une belle baffe rock, aux sources du Rockabilly et du Garage. Rencontre.

LMC : West Coast, skate, fringues, comment en es-tu venu à la musique ?

Hanni El Khatib : En fait j’ai toujours fait de la musique, ça a toujours été une de mes passions. J’ai toujours aimé enregistrer. J’ai commencé à jouer en concert et ça a eu un effet boule de neige puis j’ai été approché par mon label aux USA qui s’appelle Innovative Leisure. Ils ont dit qu’ils voulaient sortir mon album, enfin mes enregistrements. J’ai dis okay sans vraiment penser à quoi que ce soit et là j’ai vraiment commencé à jouer en mode tournée. J’ai du faire un choix : faire de la musique ou avoir un job. Et maintenant la musique c’est un job.

LMC : Plutôt cool.

Hanni El Khatib : Yeah !

LMC : Quel était le contexte de l’enregistrement de ton album Will The Guns Come Out ?

Hanni El Khatib : Je l’ai enregistré dans le home studio d’un ami à 20 minutes de San Francisco, je suis de San Francisco mais maintenant je vis à L.A.. C’était vraiment un set minimal, vraiment un home studio.

LMC : Sur ton album, le son est vraiment dur avec beaucoup d’influences des 50’s et des 60’s, quels sont tes liens avec cette époque ?

Hanni El Khatib : J’apprécie beaucoup de choses de cette époque, tu sais la musique, le façon dont les albums étaient enregistrés, la manière dont le Rock n’ Roll s’est fait. J’aime le Garage, le son lourd qui s’inspire des 60’s. Je trouve ça cool, très classique, je sais que ça peut paraître nostalgique mais ça me semble bien dans l’ère du temps.

LMC : Tu as fait un reprise de « Heartbreak Hotel » d’Elvis Presley, est ce que le King est important pour toi ?

Hanni El Khatib : Non en fait pas tant que ça, enfin ça n’est pas mon plus grand. J’adore le punch de ses sons, surtout ses premiers truc, ils sonnaient vraiment bien. Mais c’était plus une expérimentation, prendre quelque chose avec laquelle les gens étaient très familiers et la changer. C’est pour ça que j’ai fait cette reprise un peu bizarre.

LMC : J’ai lu quelque part que pour cette chanson tu avais une mélodie et que tu cherchais des paroles ?

Hanni El Khatib : Oui, je jouais le morceau et je cherchais quelque chose à chanter dessus, j’ai donc entamé ces paroles et on l’a enregistré comme ça.

LMC : Tu fais une tournée mondiale, qu’est-ce que tu écoutes sur la route ?

Hanni El Khatib : Oh on écoute plein de trucs, c’est très large. On écoute beaucoup de T-Rex, tout le monde dans le van adore ça.

LMC : Est-ce qu’il y a une ville qui t’a marqué durant cette tournée ?

Hanni El Khatib : Voyons… si ! En France, Annecy. Avec les montagnes et les lacs, vraiment beau. On y était hier soir, on y a passé du bon temps. On a aussi été à Rotterdam, mais Annecy c’était la ville la plus jolie.

LMC : Est ce que tu écoutes des artistes français ?

Hanni El Khatib : Oh oui, comment est-ce qu’il s’appelle putain ? J’ai entendu ça il y a quelques jours… (il cherche sur son iPhone) Plastic Bertand ! Il est cool.

LMC : Mais c’est un artiste belge !

Hanni El Khatib : Oui mais il chante en français non ? Il est du côté français de la Belgique non ?

LMC : Oui… Un gros succès dans les années 80 avec un tube… « Ça plane pour moi ».

Hanni El Khatib : C’est le hit ça, mais il a d’autres chansons cool.

LMC : A part ton album, lequel tu pourrais nous conseiller pour cette année ?

Hanni El Khatib : Comme nouvel album ? Mon label a produit Nick Waterhouse, son album sort cette année et son truc est vraiment bon. Et je viens juste de produire l’album de Ben nommé Feeling People. C’est un truc très lourd à la Black Sabbath.

LMC : J’ai lu que tu aimais beaucoup Black Sabbath.

Hanni El Khatib : Yeah ! I like them, je viens juste de travailler sur cet album donc, en fait juste avant de partir en tournée. Ils sont en mixage en ce moment.

LMC : Est ce qu’on va se se revoir sur les festivals européens cet été ?

Hanni El Khatib : Oui, je ne connais pas encore tous les festivals où je serai mais je peux vous dire que je vais faire Primavera en Espagne. Mais on va revenir, il y a plein de bonnes choses qui se passent pour nous ici.

LMC : A ton avis, c’est quoi les clés de ton succès  ?

Hanni El Khatib : Oh je fais ce que j’ai toujours fais, tu sais. J’essaie de ne pas me laisser influencer par trop de choses extérieures. Je ne porte pas trop d’attention à ce qui se dit ou s’écrit, bon ou mauvais, j’y fais pas trop attention. Je pense que c’est important, quand tu en as l’opportunité, de faire quelque chose de bon. Tu le fais et c’est tout, les tournées comme le reste ça aide.

LMC : On dit que tu n’aimes pas trop la comparaison avec les White Stripes qui ont ouvert la voie du grand public au style de musique que tu joues.

Hanni El Khatib : C’est pas que je n’aime pas la comparaison. Je pense que ces groupes ont amené aux gens une musique qui existait déjà avant. Ils l’ont amené dans le mainstream. Avant, on entendait pas ce genre de musique. Bien sûr, il y a des tonnes de groupes avec juste une batterie et une guitare. Cependant, ils sont le plus gros exemple de ça et ils ont mis les gens à l’aise avec ce style. Avant, on se demandait où était le reste du groupe.

LMC : Ma dernière question, qu’est-ce que les Américains pensent de Jean Dujardin, ils pensent qu’il va avoir l’Oscar ?

Hanni El Khatib : Oh, je ne sais pas, je n’y prête pas trop d’attention. Avec un peu de chance il l’aura non ?

LMC : On espère ici qu’il va l’avoir.

Hanni El Khatib : Ca serait énorme en France…

LMC : Tu sais, Georges Clooney…

Hanni El Khatib : (Rires)… Yeah.

LMC : Merci !

Hanni El Khatib : Merci, content de vous avoir rencontré.

www.myspace.com/hannielkhatib
sabine.serrad.free.fr
Texte, photographies et propos recueillis par Jules Roeser

Pour sa douzième édition, le festival des cultures alternatives porté par l’incorruptible Jarring Effects marque le coup pour sa soirée noise. Les quatre Nantais de Fordamage envoient d’abord la purée de leur son lourd et énervé. Ça commence à transpirer et à faire des vannes à la con, l’apéro parfait pour ce qui allait arriver. Au moment du dernier morceau, on découvre que les quatre groupes de la Colonie de vacances (Pneu + Papier Tigre + Marvin + Electric Electric) avaient déjà rejoint discretos leur poste aux quatre coins de la salle. Fordamage, sur la grande scène, entame alors son final pendant quelques mesures, puis les copains commencent progressivement à suivre. Enfin, ce sont les cinq groupes qui jouent le même morceau, et à bloc. Résultat : un barouf sonore surpuissant et en même temps millimétré, même si tout le monde se marre au début parce qu’il est visiblement chaud de se caler tous en même temps. On s’étonne, on sourit, on se ballade dans la salle, on s’extasie. C’est la Colonie de vacances qui commence, et nous, on trempe dans ce bain de jouvence sonore, perdus comme des orphelins lâchés dans la jungle. Fordamage retiré de la grande scène, on se retrouve ensuite encerclés comme dans un immense ring de boxe par chacun des quatre groupes, défendant tour à tour son bout de gras. Exemple clé pour capter le délire: Pneu commence un titre, au milieu de celui-ci, Electric Electric rajoute une partie batterie, en face, Papier Tigre répond à une phrase de guitare, puis sur la fin, tout le monde reprend le thème pour érinter joyeusement les oreilles de tout le monde. Le reste du temps, c’est un tour de salle infini où chacun va jouer ses perles. Les gens se déplacent dans la salle comme ils le feraient lors d’une expo, prennent un peu à droite à gauche, puis restent devant leur groupe préféré. Pour nous, c’était Marvin et Pneu, techniquement titanesques et au groove implacable. On s’en veut un peu d’être parti sans avoir vu le très bon groupe lyonnais Picore, signé chez Jarring. Bonne humeur et math rock transpirant, on ressort de ce genre d’expérience changé et fin prêt à recommencer.

• Riddim Collision. www.jarringeffects.net/riddimcollision
• Photos par Florian Ardérighi et texte par Vincent Zarragoza

Avant la première partie dignement assurée par Psykick Lyrikah, nous avons eu le plaisir de nous entretenir avec Casey, représentante du rap français à en faire hurler tes voisins. Textes racés et flow dynamité, elle nous parle du nouvel album réalisé avec Zone Libre, de littérature, de la famille et d’Anfalsh.

LMC : Pourquoi avez-vous choisi Les contes du chaos comme titre de votre nouvel album ?

Casey : Ca s’est fait une fois qu’on a eu tous les titres en boîte, c’est celui qui résumait le mieux l’esprit du « skeud » parmi la douzaine de titres de l’album.

LMC : Comment vous organisez-vous avec Zone Libre pour créer vos morceaux ? Comment s’établi la répartition entre ceux qui créent la musique au niveau des instruments et vous qui arrivez avec vos lyrics ?

Casey : Eux ils s’enferment pour composer deux-trois jours en général, ils répètent, ils bossent jusqu’à ce qu’ils aient des idées et des propositions. Ensuite, ils nous les font écouter, vu qu’on se connait bien maintenant il y a très peu de déchets. Et après on enregistre avec B. James. Sur ce disque-là en tout cas ça s’est fait très rapidement, pendant qu’ils mixaient leur musique nous on enregistrait juste derrière.

LMC : Combien de temps avez-vous mis pour enregistrer l’album ?

Casey : L’enregistrement de la musique et des textes ça a du se faire en dix jours. On a écrit au studio et on a tout fait ensuite.

LMC : Concernant ton rapport à l’écriture, s’agit-il plus de raconter, de militer, ou d’un catharsis ? On sent dans tes lyrics une réelle implication dans l’écriture, une volonté de propulser des paroles…

Casey : C’est toujours dur d’expliquer ça, je ne m’analyse pas. Quand tu écris tu ne te dis pas « je veux aller dans tel endroit et être perçu de telle manière ». Faudrait être d’une grande prétention pour se dire militant. C’est une vision vraiment occidentale ce genre de choses. Certains artistes ont besoin d’aller se dépoitrailler. Moi, honnêtement, j’écris parce que j’aime ça, mais te dire si c’est un exutoire ou de la névrose, c’est trop de temps accordé à sa propre personne.

LMC : Pour continuer un peu dans la littérature, on repère dans tes textes beaucoup de références à de grands auteurs, une réaction éventuellement à la disparition récente d’Edouard Glissant (grand penseur d’origine martiniquaise, ndlr)

Casey : C’est quelqu’un qui a beaucoup compté dans sa manière d’expliquer l’identité, et surtout sur le concept de créolisation. Je cite une idée, un concept à l’endroit où ça m’a fait réfléchir. Pour moi c’est particulier parce que c’est un martiniquais, au même titre qu’Aimé Césaire et que d’autres encore. Ca fait partie des personnages en Martinique qui ont compté, et qui compteront toujours hors de l’île. Ils ont cette résonnance internationale.

LMC : Est-ce que tu pourrais nous dire quel type de musique ou quels films t’ont marqués récemment ?

Casey : Un film que j’ai vu récemment et que j’ai beaucoup aimé c’est « Incendies » de Denis Villeneuve.

Un bouquin : c’est une auteur franco-camerounaise qui s’appelle Léonora Miano, le bouquin s’appelle «Blues pour Elise », vraiment mortel.

Et en musique, Odd Future, c’est un bon délire.

LMC : Ca fait parti des choses que vous écoutez dans le tour-bus ?

Casey : On regarde plutôt des films dans le bus en fait.

LMC : Est-ce que tu pourrais revenir rapidement sur votre rencontre, B.James et toi, avec les membres du groupe La Rumeur ? Est-ce que vous avez des projets en perspective avec eux ?

Casey : B.James habite dans le même quartier que moi, on se connait donc depuis super longtemps. La Rumeur, on s’est côtoyé il y a très longtemps, là, on ne se côtoie plus trop.

LMC : Si on refaisait les célèbres morceaux 11’30 et 16’30 aujourd’hui, aimerais-tu ou aimeriez-vous en faire partie ? Avec qui ? Et pourquoi ?

Casey : J’en sais rien… Je ne sais pas si je serais dedans, je ne sais pas si j’aurais envie de le faire, ni avec qui. Franchement, je ne pourrais pas répondre à cette question.

LMC : Par rapport à votre public, est-ce que tu penses qu’il est plutôt rock, ou plutôt rap ?

Casey : Je pense plutôt rock, mais des fois c’est mélangé. Je pense qu’il y a beaucoup de curieux, des gens qui ne sont ni rock, ni rap, juste des gens qui sortent et qui vont en concert. C’est pas typé, ni marqué. Quand tu vois les gens tu ne peux pas savoir ce qu’ils écoutent, quelle est leur culture musicale ni même s’ils en ont une bien définie. Le rock et le rap c’est très marqué quand tu es dans les clichés santiags ou baggys. C’est difficile de prédéfinir qui écoute quoi.

LMC : Quand on regarde vos clips et votre univers graphique en règle générale, il en ressort quelque chose d’assez sombre, de très dark, d’où vous viennent ces influences ? Du cinéma ? De séries télévisées type The Wire ?

Casey : On ne s’inspire pas spécialement de films ou de séries. C’est nous, tout simplement, quoiqu’on ne puisse pas savoir à quel niveau ça peut nous influencer. On ne va pas aller tourner sur un yacht tu vois (rires). On tourne en bas des immeubles, dans les halls, les hangars, parce que c’est les décors qu’on connait. Mais oui, dans l’esthétique on préfère les choses beaucoup plus dark, parce que c’est aussi ce qui colle le mieux avec la musique.

LMC : Concernant la scène, il se dégage également de votre flow et de votre présence en générale une très grande force et beaucoup d’énergie, c’est quelque chose qui s’impose à vous ? Que vous travaillez ?

Casey : C’est quelque chose que tu ne peux pas calculer parce que les concerts d’un jour à l’autre, ce n’est pas la même chose. Il y a des jours t’es en forme, d’autres où tu es moins bien. Nous, quand on est sur scène, on a juste envie de kiffer. Quand on est en concert, on kiffe déjà entre nous, tout le monde est content, chacun envoie son truc. Si après il ressort de ça une énergie, tant mieux. Pour moi, la scène c’est le seul endroit où concrètement tu fais quelque chose, c’est comme la cour de récré. Toute l’énergie de la journée elle part là en fait. Ca génère de la rencontre et du contact.

LMC : On va revenir brièvement sur ce qui s’est passé à Bourges il y a deux ans (très mauvais accueil du public à cause de ce clivage rock/rap) pour savoir si maintenant il y a des salles ou des villes où vous ne voulez pas jouer ?

Casey : Non. Entendre pendant un concert « nique ta mère » ou « casse-toi », franchement on n’a pas été traumatisé par ça. Là, c’était particulier Bourges parce que c’était vraiment un très mauvais cas de figure. Les mecs ont un peu joué aux apprentis sorciers en se disant « on va mettre trois groupes de rock et un groupe de rap comme ça ils vont voir ces p’tits cons qu’en comparaison le rock c’est mieux que leur musique ». Moi ça ne m’a pas saoulé pour le public, mais pour les programmateurs, ils nous ont envoyés au casse-pipe. Après, de toute manière, c’est moi qui ai le micro, donc je parlerais toujours plus fort (rires). Se faire confronter le public rock et rap, ça se travaille sur l’année, par le biais de rencontres, d’ateliers, on ne convertis pas les gens comme ça au bout de quarante minutes de concerts parce que ça c’est super prétentieux comme démarche.

LMC : On va parler un peu politique maintenant, est-ce que tu as l’intention de suivre la campagne pour l’élection présidentielle de 2012 ?

Casey : Ouais bien sûr, je lis les journaux, je regarde la télé, avec nos potes on en discute souvent. La campagne de toute façon il n’y a pas besoin de la suivre, elle vient à toi. On est tous les jours dedans, t’allumes la télé, elle est là la campagne.

LMC : Quel regard tu portes sur les révolutions qui ont eu lieu dans le monde arabe ?

Casey : Faut regarder ce qu’il se passe et voir où ca va maintenant. Avec le temps, faut voir comment ça va se construire. Par quoi ils vont remplacer… Ils ont le droit des peuples à disposer d’eux-mêmes donc faut qu’on leur foute la paix aussi. Ca veut dire aussi que les peuples occidentaux arrêtent de s’en mêler. Savoir si ça va entrainer des révolutions islamiques ou autre, ça les regarde eux.

LMC : Pour finir sur la politique, le débat sur la laïcité en France, qu’est-ce que tu en penses ?

Casey : C’est pas vraiment un débat sur la laïcité, c’est un débat contre l’Islam. On ne se pose pas la question du catholicisme ou du bouddhisme en France. Personne ne se demande si les bouddhistes ont des lieux de cultes insalubres ou pas, s’ils ne compromettent pas la citoyenneté française.

LMC : Pour revenir à tes expériences personnelles, est-ce que tu aurais envie de renouveler ton expérience au théâtre comme ce fut le cas dans « Le Timon d’Athènes » ? Ou as-tu plutôt envie de te lancer dans l’écriture de scénarios ?

Casey : Ni l’un ni l’autre… C’est un truc qui est venu comme ça, qu’on m’a proposé. C’était une expérience, mais qui n’implique ni n’amène rien d’autre. Après si on me re-propose pourquoi pas, mais de moi-même j’ai jamais pris de cours. Par contre c’était intéressant à faire, mais de là à dire que j’ai trouvé un nouveau truc qui me tiens au corps… Après, si on me propose de traverser la scène de l’Odéon avec un pot de cacahuètes peut-être que je le ferais, je pourrais réfléchir. Si tu veux, tout est à la rencontre et à l’opportunité. Concernant l’écriture de scénarios, nan c’est un truc que je ne sais pas faire.

LMC : Pour revenir un peu au cinéma, es-tu plutôt La Haine ou Ma 6-T va Cracker ?

Casey : Ni l’un ni l’autre en fait… Je n’ai pas spécialement accroché ces films. C’est toujours délicat les films sur les quartiers. Ca tombe souvent dans le stéréotype même si en terme de réalisation c’est bien tourné. Si tu veux, le problème du cinéma quand il va en banlieue c’est que justement il va faire du cinéma sur le quartier, pas sur une histoire. A la limite le quartier c’est qu’un décor, on ne se pose pas la question quand c’est une histoire d’amour et que ça se passe dans des appartements haussmanniens. Juste une histoire et non pas le quartier dans toute sa splendeur. Et surtout parfois l’arrogance de vouloir tout couvrir d’un coup juste avec un film. Le cinéma a tendance à monopoliser les faits divers dans le quartier. C’est souvent les mêmes sujets qui reviennent : un crime, une bavure… Ce qui serait intéressant, ça serait de filmer d’autres aspects, ça existe aussi mais le truc c’est comment tu l’amènes ? Dans ces deux films-là, je ne vais pas dire que c’est des films minables, ils sont pas mal, mais ils sont « quartier » et c’est dur aussi de ne pas faire autrement. Quelque soit le film que tu fais, c’est difficile de ne pas faire caricatural, d’autant plus quand tu le fais sur les quartiers.

LMC : Question d’ordre un peu plus global, le rap c’était mieux avant ?

Casey : Nan, ça c’est des conneries. Chaque génération a l’impression que c’est elle qui a vécue les meilleures choses. Ca, c’est un pensif de beauf (rires), de personne qui n’arrive pas à se rendre compte qu’à un moment il y a un écart générationnel qui se produit avec d’autres gens, et que tu ne comprends pas que eux ils construisent ce qu’ils font. Moi aussi à un certain âge je vais être larguée, les petits ils vont arriver et je vais rien comprendre, mais c’est pas grave, c’est comme ça. Chaque génération vit son truc. Pour le rap il faudrait plutôt dire que tel groupe t’a laissé des souvenirs, mais il ne faut pas dire que c’est mieux.

LMC : Par rapport à tes projets, la suite des événements ?

Casey : Il y a « La représaille », ça fait super longtemps qu’on essaye de la terminer et normalement ça sera fait dans les deux mois à venir. Après il y a l’album de Prodige, celui de B. James aussi. Me concernant, je ne me suis rien dis pour l’instant. Quand tu bosses sur un projet tu as du mal à avoir du recul. Donc peut-être que quand j’aurais terminé ça il y aura l’envie de bosser sur un truc.

LMC : Et avec Zone Libre c’était juste un one shot ?

Casey : On sait pas hein, chacun va aller faire sa vie, peut-être dans un, deux ou trois ans on va se dire « venez, on réessaye », ou sinon il y aura plus rien, ça je ne sais pas. Zone Libre, nous, chacun fait ses trucs sans contraintes.

LMC : Anfalsh est toujours là en tout cas ?

Ouais ouais, toujours. Anfalsh c’est la famille.

LMC : Dernière petite question justement sur le Blanc-Mesnil (Blankok) : on connait Bangkok et son succès auprès des touristes, je voulais savoir s’ils avaient une devise à l’office de tourisme du Blankok ?

Casey : (rires) Aïe Aïe Aïe, il y a même pas d’office du tourisme au Bankok, t’imagines le truc ?

• Psykick Lyrikah. http://www.myspace.com/psykicklyrikah
• Zone Libre vs. Casey & B. James. http://www.myspace.com/librezone
• L’Epicerie Moderne. Place René Lescot, 69320 Feyzin. http://www.epiceriemoderne.com/
• Crédits photos : Florian Ardérighi & Raphaël Le Manchec

Qwel tout d’abord.
Un petit homme avec un certaine rage dans le coeur. Un petit roudoudou avec une sacrée envie de se mouver. Il le dira lui-même « Faut pas croire j’adore danser ! ». Oui, nous l’avons vu. Ce petit déhanché ne laisse personne indifférent. Diffusion de bonne humeur à travers toute la salle, le flux vient du coeur, le sourire toujours présent.
Soit.

En interrogeant son DJ, Maker, j’ai pu en savoir plus. « Nous venons de Chicago. Pour ma part, j’ai commencé le son en 1996, avec Qwel on avait pas mal de potes en commun ce qui fait qu’on s’est tout de suite connecté. Notre première album ensemble fut ‘The Harvest ‘. Une sacrée collaboration. »
A ce titre, j’en profite pour conseiller à chacun d’écouter le track Capathy.



Qwel précise lorsque je l’interroge sur la danse : « nous sommes le berceau de la House Music à Chicago, tu crois quoi ? Tout le monde est influencé par la House à Chicago, mec, j’adore ma balader dans les boites. »
Les deux compères étaient de sortie pour présenter leur nouvel album Owl. A cette occasion, ils feront une paire de dates en France dont une à la Cave aux poètes à Roubaix notamment.

Ensuite Blake Worrell. Un artiste tout nouveau sur les scènes. Il n’a pas l’expérience d’un Qwel mais son univers scénique s’impose massivement.
Arrivé il n’y a qu’un an à peine sous les projecteurs, Blake semble avoir une expérience importante du live. Le personnage est fantastique : un grand latino moustachu en pantalon et chemise noire surmonté d’un chapeau – noir lui aussi – « Aujourd’hui je voulais être tout en noir, d’habitude le chapeau est blanc » – Info.
Blake, c’est le lover, le violent, le torturé. Soit un mélange de pop, de dub-step et de hip-hop préparé avec soin. Le jeune homme est seul avec ses machines et ses micros mais n’en impose que davantage.
Ça déconcertera les puristes mais ça fait bouger les jambes – Le lover s’impose, il balance un peu de français… On danse…

Sur scène, l’univers de l’ex Puppetmastaz est présent. « J’ai pas vraiment été à l’aise au début, je voulais marquer mon territoire d’où les trois luminaires qui m’accompagnent et qui me permettent de créer mon espace. Pour ce qui est du personnage non je ne l’ai pas vraiment travaillé. »

Busdriver enfin. Fidèle à ce que le public attendait de lui. Une énergie invraisemblable se dégage de son live ne permettant à personne de ne pas se dandiner un minimum…
On a du partir un peu vite, contaminé d’un peu trop de bonne humeur. Pour les prochaines dates, attention au flow des trois compères, vous l’aurez compris, un poil contagieux.

• Qwel x Busdriver x Blake Worrell à l’Epicerie Moderne, mercredi 30 mars 2011
• Qwel. http://www.myspace.com/qwe1
• Busdriver. http://www.myspace.com/busdriver
• Blake Worell. http://www.myspace.com/blakeworrell